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近期，跨界成了业界热门词汇。电影导演王家卫首次跨界执导电视剧《繁花》，就打破了电视剧创作使用写实手法、生活流叙事的惯性思维，以独具风格的镜头语言和张弛有度的叙事节奏，打造虚实相生、气韵生动的艺术质感；许多传统影视从业者投身如火荼的微短剧创作的微短剧创作，推出《女神饭店》《亲爱的乘客，你好》《柒两人生》等优秀作品；广告导演拍起网剧；擅长剪辑短视频的UP主挺进长剧集领域…一时间，跨界创作频现，跨界作品出圈，使「跨界行为到底是降维打击还是突围创新」的话题成为业界焦点。

　　这现象与当下网路技术不断升级、硬体设施更新迭代有关。近年来，无论是在影像解析度或音讯编解码技术方面，不同媒体终端在视听效果上的差距越来越小。家庭剧院让人们在家中也能沉浸式体验电影院的观影氛围；戴上3D眼镜，手机萤幕也能观赏3D电影；手机短片还能投影到大萤幕观赏。不仅如此，「网路+」时代，媒体融合是大趋势，以往必须在电影院里、电视机前等规定场景观看的作品，如今观众可以随时随地自由选择观看管道、

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观看方式、观看场景。这些改变使电影、电视剧、微短剧等早前因视听效果高下、观看场景不同而区分的概念边界越来越模糊。面对媒材与受众环境的巨变，原本只专注于某一种艺术形式的创作者也开启视野、拓宽思路，纷纷投入跨界创作。

　　影视从业者跨界，还有很多创作、传播上的考量。例如，跨界可以探索更多融合点与创作面，让不同门类的创作手法互相借镜、各取所长，改善作品的单一形态与表达形式，为大众带来多重观赏体验。由戏剧导演参与创作的电视节目《故事里的中国》在文化访谈形式里嵌入舞台剧的情景表演，用「戏剧+影视化拍摄+访谈」的融合方式呈现中国故事。创作跨界本身也是新闻点，能引发舆论关注，提升作品影响力。电视剧《繁花》2020年官方宣布由电影导演王家卫执导时，引发了大众热烈讨论。拍摄几年间，王家卫与剧作的各种新闻偶有曝光，更是吊足了观众胃口。所以，该剧还未开播，就在微博「剧集繁花」话题获得超10亿的阅读量。

　　可见，跨界能形成鲇鱼效应，激发影视创新活力，提升作品传播效力。然而，跨界也不是万金油，创作者涉足新领域的作品很容易引发舆论争议。例如，观众在肯定冯小刚的跨界之作《回响》具有电影感的镜头、色调的同时，也对作品披着悬疑剧外衣却悬疑氛围不浓，悬疑戏份与情感故事脱节等问题表达不满。 《繁花》的口碑也褒贬不一，批评声音主要集中在叙事结构凌乱，剧情故作高深，画面角度刁钻，镜头不停

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切换，叙事云里雾里等方面。电视剧导演转战电影领域也多有失手，有的作品甚至出现豆瓣评分3.1分的低分。

　　部分在原有领域叱咤风云的创作者之所以到新领域出现水土不服，主要是因为他们虽然“跨过界”，却未能“扎根”。由于媒介形态各异，不同的影视门类在叙事策略、镜头语言、情节设定等方面有很大差异。即使是某个领域相当有造诣的名人大家，在新领域也只是缺乏准备和累积的新人，有很多知识需要学习、许多技术需要更新。而当下有的跨界者纯属“玩票”，想借着人气在其他领域“圈钱圈粉”，消费自己的知名度，制造舆论话题；还有的创作者虽然创作态度认真，创作思维却没有从原有领域跳出来，以旧方法应用于新创作，未能掌握新领域的创作要义。如此一来，市场不认可，观众不买账，就不足为奇了。所以，跨界虽然不要求创作者能快速达到该领域最高创作水准，但至少应让观众看到创作者的诚意和新意，即在一定的专业储备和艺术积累的基础上，表达对自我的大胆突破和对跨界领域的虔诚热爱。

　　把眼光放长远，电影、电视剧、网路剧等艺术门类不是几条平行线，发展到某个阶段，就可能在某个地方握手。从影视史上第一部作品《火车进站》开始，不同领域经历了无数次握手，才形成了今天的面貌。可见，型态、时长、器材，从来都不是创意的束缚。影视从业人员应该在深入了解新领域的基础上，大胆创新，在不同门类的跨界探索中找到新的突破口和平衡点，为影视业的创新发展贡献力量。

看电视是老百姓喜闻乐见的大众文化活动之一。客厅里、电视机旁的欢笑声伴随多少人共同成长，凝聚几代人的温馨回忆。十多年前的电视，开机就能看，观众随意选择频道，一目了然。然而随着网路介入电视媒介后，看电视反而成了一件「困难」的事，无论是收费还是操作都变得越来越复杂，遭到观众尤其是老年观众的诟病。近日，为解决「看电视难」这个问题，国务院办公室发布《关于发展银发经济增进老年人福祉的意见》，提出要治理电视操作复杂问题。

　　2023年国家广播电视总局联合多部门进行治理电视「套娃」收费与操作复杂工作，聚焦解决收费包多、收费主体多、收费不透明、操作复杂等问题。经过四个多月的合力推进，截至2023年年底，第一阶段工作初见成效。不仅各类收费包大幅压减50%以上，单一终端由治理前最高的86个收费包压减到现在不多于6个，而且各种页面、导航、收费等都变得清晰、醒目、透明起来。基本实现有线电视和IPTV开机即看直播电视频道。

图：祁子航/绘

　　重复收费、操作复杂，让人如堕五里雾中

　　「开机后不能直达想看的节目」「遥控器太多，不知道用哪个」…中国家电网《2022中国适老化电视调查报告》显示，老年人使用智慧电视时遇到了各种困难。这些困难分为两个层次：第一个层次是五花八门的「套娃」收费问题。从黑白到彩色、从无线到有线、从免费到收费是广播电视市场运作的方式之一，也被普遍接受。然而，当下看电视收费之所以成了“问题”，首先是收费包多，电视“套娃”收费是指用户除了购买电视机或接入有线电视网络时支付的基础服务费外，在购买付费频道、点播服务或其他增值服务时，还面临收费项目多、收费花样层出不穷等问题。其次是收费不透明，收费包权益告知不到位。有些平台有订购流程不清晰且诱导用户消费等现象，也有误购难退的问题。如用户首次订购时低价突出显示，后续自动续费高价提示不明显，导致人们不知不觉间订购了不需要的产品，想退又特别麻烦，只能吃“闷亏”。除此之外，还有收费主体多等问题。

　　第二个层面是看电视操作复杂问题

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。首先是直播频道和免费内容难以找到。曾有媒体统计过，观众最多要操作11步才能找到直播入口，需要跳8次才能进入免费专区。 「弯弯绕绕」太多，连熟悉电子产品的年轻人操作起来都不顺畅，需要多次操作遥控器多个按键，费一番心思才能找到想看的，大多数老年人更是如堕五里雾中。其次是遥控器多，操作不方便。全国大概有300多种版本型号的机上盒及对应的遥控器，让观众望「遥」兴叹。

　　针对这两种情况，全国有线电视网络已上线的「重温经典」免费专区丰富并充实了电视免费内容的供给。在下一阶段的治理中，也将透过制定统一的标准规范，研发推出新型遥控器，实现一个遥控器看电视的目标。

　　科技更新、产业发展，「看电视」却越来越难

　　电视技术从标清发展到高清，从线性观看演变为移时回看，从固定的客厅文化衍生出移动的碎片化体验。产业发展让电视业进入市场，引入竞争。然而，技术更新与产业发展结合，却在特定背景下形成了「看电视难」的问题。

　　从技术层面来看，收看电视节目的主要方式为有线电视、互动式网路电视(IPTV)、网路电视(OTT)三种。其中，有线电视是最老牌的收看方式，自1983年提出「四级办广播、四级办电视、四级混合覆盖」的方针后，我国一跃成为世界上名列前茅的电视大国，几乎所有用户都采取有线电视的收看方式。 1990年代，国家开始推动有线电视网、电信网、电脑网路三网融合。电信业者负责传输的互动式网路电视出现，观众可以透过IPTV机上盒观看电视节目。 2010年后，随着网路技术发展，又出现了在智慧电视上观看点播节目的网路电视（OTT）技术，但不能看电视直播内容。不同的观看方式有不同的观看设备，不同的遥控器，以及不一样的开启方式，让人摸不着头绪。

　　从产业发展角度来讲，各利益主体诉求不一，导致出现收费乱象。电视厂商负责生产电视机，网路电视平台是电视资源的聚合平台，本身不生产内容，主要内容版权方为各大网路视听平台。它们之间相互合作，为使用者提供内容，可以就会员费、服务费等进行分成。随着产业发展，这几大主体之间的合作越来越复杂，例如电视厂商可以选择跟多个视讯平台合作，内容就可能有重叠。电视厂商自己又推出电视资源聚合平台，更加剧了这种竞争。特别是在电视销售与利润下滑、网路视听产业「降本增效」的背景下，透过会员费涨价与限制观看是各利益主体应对困境的普遍方式，更加剧了「套娃」收费。

　　「套娃」解套，内容好看，让萤幕「风清气正」

　　看电视始终是公众业余时间重要的精神文化生活方式之一。解决「看电视难、看电视烦」的问题，不仅关乎广电产业的健康发展，更事关精神文明建设大局。近期，国家广播电视总局相关部门已推出多项措施进行治理。截至2023年年底，全国2.85亿电视用户开机观赏直播、便利看电视，有线电视、IPTV开机广告全面取消。有线电视和IPTV开机时长从治理前的最多118秒减少到不超过35秒，「套娃」收费大大减少。有关部门还加强技术支持，组织印发有线电视、IPTV、互联网电视业务技术要求等三项行业标准，指导有线电视更新软硬件，升级智能机顶盒，简化遥控器等，互联网电视对页面、导航、收费、应用等方面进行清晰化、醒目化、透明化升级，让页面“眉清目秀”。治理在短时间内取得成效，这充分说明，只要坚持科学理念，一步步分阶段长效化推进，就能啃下“硬骨头”，拆掉“旧篱笆”。

　　在治理存量问题的同时，我们也应着重于创新发展。一

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方面，积极优化节目营运、编排策略，加强版权授权与合作，完善优质内容供给，提供使用者丰富、多元、选择性强的视听资源。另一方面，加强技术创新，利用这次治理工作中软硬体升级的机会，推动语音辨识、裸眼3D等新技术的推广应用，带动产业转型升级。未来，发展超高清电视是大势所趋，我们应推动超高清从内容制作、播出、传输、接收等全产业链优化升级，专注于建构超高清视讯产业新生态，为用户带来更好的视听体验。

　　总而言之，技术进步和产业发展的目标是让群众享受实实在在的红利。所以，电视产业各主体规范发展，实现多赢局面，是为了进一步提升老百姓看电视的满意度，提高人民的获得感、幸福感。顺着这个思路，解决「看电视难」问题指日可待，广电产业高品质发展已在眼前。

「百城千屏」看春晚，让总台春晚从电视萤幕走上户外地标大屏，在全国各地公共区域被看见；微短剧《风月变》、网络电影《勇士连》等登陆电视台，为网络视听市场开辟新赛道……互联网时代，传播渠道之间的壁垒被不断突破，传统壁垒被不断突破，传统壁垒被不断突破媒体和新兴媒体的传播媒体、传播样态和传播方式深度融合，电视台、视频网站、短视频平台等媒介从传统的竞争关系转变为联结互渗的新型关系，以多渠道、立体化的触达方式为受众提供多样化的信息入口，初步形成大视听产业生态。

　　所谓大视听是指以视听产业为引擎构筑起的全产业链条，以视听艺术创作、视听文旅协作、视听文创制作和视听产业园区建设等为核心业务，也延伸到教育、医疗、科技等公共服务体系的各个领域。既然是大视听，就要有大格局、大视野和大情怀，不仅可以在艺术创作方面大有可为，其所带来的可视化、智能化、场景化、交互化和沈浸化的感知体验还应为文旅开发、公共服务乃至经济社会的众多领域提供丰富的应用场景与创意空间。

资料图片

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　　长短片竞合共生

　　无论大视听如何发展，长短片始终是视听产业的核心业务。所以，促进长短视频互利共生，是落实大视听产业布局的重中之重。影视剧、纪录片等长影片的文化底蕴、艺术质感、影像风格、故事结构和角色塑造是短片难以比拟的。像《大江大河》《漫长的季节》《繁花》等作品需要相对较长的篇幅来讲述静水流深、意味隽永的故事。但长影片创作有时容易走入主题分散、内容注水、节奏缓慢、叙事冗长的创作窠臼。微短剧、微综艺等所呈现的话题性、网感化、年轻态，能直接戳中目标受众的痛点、爽点和关注点，快节奏、碎片化、伴随式的观看体验又强化了讯息的传播效果。像《逃出大英博物馆》《大妈的世界》《亲爱的乘客，你好》等用简约凝练的叙事话语直奔主题，在短时间内引起关注、引发热议。但短影片创作为了降低成本、吸引目光、赚取流量，有时容易走进故事套路化、情节极端化、人物扁平化、制作粗糙化的迷思。

　　须知，长影片和短片各具优长、各有赛道，不是此消彼长的对立关系，而是相互促进的竞合关系。所以，从业者应该打开思路，跳出某一种模式的局限，汲取长短视频的创作优长、规避创作短板，站在视听产业发展的高度上，针对不同的叙事主题和内容运用最适合的篇幅和艺术手法完成创作、实现传播。

　　此外，在数位科技的赋能下，大视听也延伸至网路直播、有声书、播客等新媒介生态中，各个生产和传播结点可以实现资源要素的共享与联结，为观众奉上品类更加丰富的视听菜单。央视春晚就是大视听格局全面铺展的典型案例。 「竖屏看春晚」让春晚直播实现从大屏到小屏、从横屏到竖屏，以多样的视角提升观众观赏体验；「云听」听春晚，则从听觉维度入手，展示春晚的丰富声音，满足广大受众的不同需求。

　　视听、文旅融合发展

　　随着大视听产业迅速发展，作为传统层面和核心层面的「广播电

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视+网路视听」概念已难以囊括大视听的所有内容并解释大视听的产业逻辑，「视听+」逐渐成为这一新兴产业的重要概念。 《2023年广电全媒体蓝皮书数据报告》显示，大视听产业正成为数位文化产业中最具成长性的新兴产业之一，全年实际创收收入超过兆元。而大视听的外围层「视听+」产业规模与边界不断扩大，形成另一个万亿级产业新版图。在「视听+」的产业布局里，「视听+文旅」可谓最具声音量的探索方向。

　　在视听创作中，选片往往是拍摄前期重要的环节。不同的自然风光、人文景观和城市样貌能呈现不一样的视觉质感，温暖、奔放、辽阔、华丽、质朴、冷峻、神秘等种种气质，在剧情的加持下被自然而然地融入作品，让观众心向往之，为文旅发展提质增效、引流揽客。随着《去有风的地方》《风起洛阳》《繁花》等长录像作品的热播，影视作品中的取景地成为网红景点。云南大理的诗意恬静，「神都」洛阳的盛世繁华，大上海的时尚摩登，在摄影镜头的匠心捕捉下展现出独特魅力。西安根据网剧《长安十二时辰》打造的「长安十二时辰主题街区」以对唐风文化的高度还原和场景沉浸式体验成为城市文旅的新标志。长沙以《梦华录》为背景，推出线下古风沉浸展，复刻剧中大宋街市场景和市井文化的繁华，成为视听维度中「沉浸城市」的又一成功经验，使一部剧带火一座城成为时下火热的文化现象。

　　短片在助力文旅发展方面也表现不俗。继淄博烧烤旅游、哈尔滨冰雪旅游被短片带火后，各地纷纷借助短片掀起一波引流带货热潮。各地把最具代表性的旅游景点、最具文化价值的民俗风貌拍成短视频，用短视频打造城市名片。近期，国家广电总局发布“跟着微短剧去旅行”的创作计划，推动一批实体取景地跟随微短剧的热播“出圈”，塑造一批古今辉映、联通中外的文化标识和符号通过微短剧全球传播，形成一批可复制、可推广的「微短剧+文旅」融合消费新模式，努力在美丽乡村建设、历史文化街区、非物质文化遗产、文物名胜古迹、公共文化场馆、生态旅游景区等方面挖掘新故事、塑造新形象、展现新风尚。

　　此外，许多景区推出VR沉浸式旅游项目，以视听科技复原年代景观，观众能够透过穿戴式装置甚至裸眼3D科技感受思接千载、视通万里的奇妙体验。像《又见平遥》等文旅演出都运用视听艺术与大型实景表演结合的方式，助推视听与文旅融合发展走向纵深。所以，视听产业充分利用视听艺术的传播优势，实现文化旅游资源的创新发展；文旅行业则为视听艺术创作提供丰富的自然与文化景观。推动视听与文旅协同发展，将成为大视听产业在夯实核心业务的基础上拓展产业赛道、拓展产业边界的关键一招。

　　「视听+」赋能公共服务

　　除了“视听+文旅”，视听产业还可以在教育、医疗、科技、交通、购物、策展等广阔领域中发挥作用。例如，变“看电视”为“用电视”，彰显电视频道的服务功能。山东老年大学广电云课堂平台，让老年用户足不出户实现「大学梦」；山东省医养健康智慧服务平

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台向群众提供健康养护服务，让「打开电视看医问诊」成为现实。例如，从社会生活的各个层面着手，打造线上、线下连结、现实与虚拟互动、资源与空间连结的公共服务体系。 「北京时间」客户端等推出“暖心驿站”，联合京津冀三地的街边店铺，为户外工作者提供简单的饮水、充电和休息等服务。

　　接下来，各地应进一步推动大视听与公共服务有机结合，助力移动电视、楼宇电视、户外大屏等完成智慧化、数位化升级改造，提供包括视听节目、教育培训、健康诊疗、社会治理、建筑防控在内多功能于一体的智慧广电公共服务，努力实现公共服务标准化、均等化、数位化和便利性，

　　从单维度的广播电视到多维度的大视听，概念流变的背后关涉媒介逻辑、产业逻辑的更新。面对这些变化，从业者不断探索，总结出宝贵的实务经验，但仍存在一些不足之处。例如，在体制机制方面，相应的人才培养机制还未能及时跟上，致使产业缺乏复合型人才；在生产流程方面，许多长短视频还处于各自努力、各自为战的状态。这就要求大家打开格局，勇于创新，让大视听甚至「视听+」持续释放新的能量、拓展新的空间、发挥新的优势、探索新的模式，推动产业的高品质发展。

在数量可观的前提下进一步提高质量，是现实题材影视创作发展的当前要务。提质的方法与路径有很多，但最根本的还是在「现实」这个关键字上下功夫。面对林林总总、包罗万象的现实生活，表现什么、如何表现，在很大程度上反映出主创的价值追求，也决定著作品的艺术品质。纵观近年产生较好反响的一些现实题材作品，可以发现一个共性特质，即在社会人生的某个表达维度上向纵深开掘，为作品赋予厚重质感的同时，与观众产生多层次的共情共鸣。

　　首先，现实题材应生动展现时代精神，诠释社会发展

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内生动力。电视剧《麓山之歌》能在充满创作难点的重工业题材中脱颖而出，就是因为敢于直面该领域在时代发展中遇到的深层次问题，并透过生动演绎改革创新的时代精神，为企业面对生存危机时走出焦灼与探索出路，达到引人深思的效果。故事一开始就交代了工程机械产业迎来寒冬，有超过70年历史的龙头国企「麓山重工」经营断崖式下滑，企业面临被退市的风险的背景。他们推行「重工换金融」计划，转向金融赛道为企业寻找出路。然而，一旦削弱重工主业，则意味着产业上下游相关联企业的近万名职工都将面临转职或下岗。同时，拥有完全自主智慧财产权的「麓山一号」项目，也因科学研究经费的暂停支付而陷入危机。于是，董事长方锐船面对经营难题主动求变；以卫丞为代表的科研人员破解「卡脖子」技术；以焊工金燕子、劳模宋春霞等为代表的工人秉持工匠精神。这些剧情深度介入现实，让人看见现实题材的担当与力量。可见，创作若要更好地实现对时代性的挖掘和融汇，不能贴标签、打幌子，随意拼接、一蹴而就，而要潜心思考时代大潮与个体命运之间的辩证关系、找寻透过艺术手法更好地诠释深层逻辑的渠道方法，并对种种社会现象进行价值判断与哲学反思。当把这些看似高深的命题，以不着痕迹的方式融入雅俗共赏的故事中时，作品的思想性、艺术性便夯实了。

　　其次，现实题材应多维透视人性本真，成就作品的深刻人文意涵。人生活在一定的社会环境中，环境对人有塑造作用。但是，人毕竟有自​​己的意志和能动性。走什么路，取决于自己的认知与选择。所以，创作对人性的拷问越深刻，作品越厚重。特别是对于现实题材而言，能让观众沉浸其中并产生情感共振和心灵共鸣的，往往是角色在经历成长转变、精神迷茫、人生困顿时所彰显的人格魅力、人情温度、人性深度。

　　电视剧《南来北往》里铁路警察汪新被人诬陷，面临被革职的风险，他的女朋友姚玉玲立马跟他提出分手，而青梅竹马的女同学马燕却始终在身边默默支持他。电视剧《风吹半夏》里，女主角许半夏经过艰苦奋斗，从卖废铁的小贩成长为钢铁业的女企业家。但无论生意做得多大，她内心始终背负着一种罪恶感。她的合伙人为了低价租赁滩涂作为放置废钢的堆场，用废机油污染滩涂。善与恶，对与错，一念之间。黑乎乎的废机油不仅污染了滩涂，也污染了他们的内心。就像结尾处许半夏说的：「那时候我还年轻，不知道命运所有的馈赠，早已在暗中标下了价格。」此外，《狂飙》《漫长的季节》等剧

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产生一定收视热度，也得益于主创对人性的深度观照，让观众从中感受到某种可触可感的真实质地。但在挖掘人性的过程中，创作者也需警惕走向另一个极端，即一味表现人性复杂而湮没了人格光亮，甚至把刻意聚焦和放大人性的阴暗面当作深刻。追求厚重感绝不能以牺牲价值观为代价，否则便成了舍本逐末。

再次，现实题材应活化传统基因，让故事在展现中华文明的连续性中走向厚重。中华文明具有突出的连续性。现实题材要努力把主流立场、现实脉络、百姓视角、故事思维、视听语言等熔于一炉，生动表现优秀传统文化如何从古至今一脉相承、落地生根，如何在当代社会实现创造性转化、创新性发展，以春风化雨的方式传递深远厚重的人生道理。

电视剧《大江大河》系列彰显改革先行者宋运辉身上勤勉正直、勇挑重担等传统美德。 《繁花》对诚信等传统商业道德进行了有力推广。还有《人世间》引发观众对「何为孝」的思考。周家三个子女，周秉义、周蓉远走高飞，有所成就，让父母以此为荣，是为养心智；周秉昆在父母身边伺候，照顾衣食住行，是为养口体。最后得出结论，无论是养口体或养心智，都同样重要，缺一不可。这些深受欢迎的作品彰显影视创作对中华优秀传统文化的继承与发扬，进而激发观众的文化认同、增强人们的文化自信。

近期，不断有创作致力于从不同角度开发传统文化，来寻求题材突破和主题升华，这样的思路和趋向令人欣喜，但在有些方面还需注意：应更准确地找到所聚焦的优秀传统文化的精髓要义是什么，这样才能在表现的过程中心里有数，而非只关注皮毛、只借用了符号；应更有效地探索文化精神和故事叙述的融合，让二者互相浸润，产生化学反应，否则极容易因「两张皮」损害了作品的整体性甚至完成度；应更深入地思考传统文脉如何润物无声地流淌到现实生活中，并在当代故事里生发出新的时代价值和精神光芒。

现实题材影视创作的高品质发展，是品质的迭代升级。表现现实生活的深度和厚度，是衡量作品品质的重要标志，也是长久赢得观众的重要考量。只有广大创作者将此作为自觉追求，整个产业才会有更光明的前景。

随着改编自韩国电影《季春奶奶》的电影《灿烂的她》上映，改编自日本电影《百元之恋》的电影《热辣滚烫》票房突破34亿元，翻拍海外IP的影视作品以及影视界热衷于翻拍海外IP的创作趋势再次引发大众热议。

　　“翻拍海外IP”，可谓近年来影视创作的一个关键字。 《好像也没那么热血沸腾》改编自西班牙电影《篮球冠军》；《二手杰作》改编自美国电影《世界上最伟大的父亲》；《超能一家人》翻拍俄罗斯电影《超能力家庭》……据不完全统计，一年来登上院线的海外翻拍IP作品已有十多部，且涵盖不同题材类型。

　　创作者为何对翻拍海外IP如此青睐？主要是出

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于经济利益的考量。相较于开发周期长、结果难以预测的原创，以及已为许多人熟知的国产IP，部分创作者更倾向于改编经过市场检验，票房和口碑较好，故事情节相对成熟，对于中国观众来说又有一定神秘度和新鲜感的海外IP，这样创作效率相对较高，投资风险相对较低。不仅如此，翻拍海外IP，还可以激发观众围绕翻拍作品与原作相比删减或增加了哪些人物情节，为何这样处理等问题展开讨论，从而借助原作的知名度扩大翻拍作品的文化空间和影响范围。

　　但是，翻拍并非影视创作的终南捷径。海外IP诞生于与中国不同的社会文化背景下，拥有独特、自洽的文化逻辑。如果只是复制照抄，在改编过程中不能秉持原创精神，从根本上观察中国人的生活，站在中国观众的立场去思考，以独特的艺术巧思弥合文化差异，作品很容易出现水土不服。近年来，翻拍海外IP作品的口碑评分大多低于原作，在及格线上徘徊。例如悬疑片《瞒天过海》关键剧情的走向、特定节点反转的设定，以及结局与原作如出一辙，故事发展已被熟悉原作剧情的观众预测到，惊险刺激程度大大减弱。电视剧《深夜食堂》将原著中日本的居酒屋文化生硬插入中国故事里，让熟悉路边摊、大排档的华人观众产生违和感。电影《人潮汹涌》里冷面杀手与群众演员互换身分的故事，也因剧情设定过于离奇，脱离中国社会实际，难以引发观众的深层情感共鸣。

　　翻拍之作翻车的例子多了，就给观众留下一种印象——翻拍海外IP就是“炒冷饭”，代表主创团队原创能力匮乏、创作诚意不足。近年来，每当有翻拍片登陆戏院，就会激起舆论关于翻拍是不是「东施效颦」的讨论。

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2023年年底，某制片公司官员宣将要翻拍日本电影《花束般的恋爱》。消息一出，立刻引发争论。不少网友甚至展开二创比赛，各地版本的「花束般的恋爱」故事次第涌现。搞笑之外，足见观众对于「翻拍海外IP」的唱衰心理和诚心拷问。所以，在影视市场上，片方主动将翻拍作为行销话题的情况越来越少。比起借力原作的知名度，他们更在意观众对主创能力和诚意的看法。一边是创作上对翻拍海外原创IP的趋之若鹩，另一边则是宣传上对翻拍海外原创IP的遮遮掩掩，业界的矛盾心态可见一斑。

　　当翻拍形成一种创作风潮，就容易导致产业原创意识缺失，原创能力萎缩。一个国家影视业的健康发展，始终要依靠原创精品不断涌现的强力支撑。尽管海外IP具有一定商业价值，也不宜一味依赖、过度开发。中国要成为影视强国，就要提升原创能力，弘扬原创精神。一方面，有关部门可推出相关促进政策，鼓励原创。例如，设立专款，用于原创作品的制作推广。对参与原创的企业和个人，给予税收优惠。对优秀的原创作品及其创作者进行表彰奖励。设立原创影视基地，为创作者提供优质的创作环境与资源，包括设备、场地、资金、技术支援等，降低创作成本，提升创作效率。加大原创作品的市场推广力度，包括戏院、电视台、网路平台、影视节展等管道。加强与国际市场的合作交流，引进先进的制作理念与技术，推动本土原创与世界接轨。加强对智慧财产权的保护，打击盗版和侵权行为，保障原创者的合法权益。另一方面，大力培养影视创作人才，强化「剧本为王」。大学、教育机构可与影视公司合作，提供更多实务机会与资源，吸引更多年轻人投入原创事业。加强剧本创作培训，培养优秀编剧人才，透过剧组实作活动，传授剧本写作实战技巧。提升编剧环节的投入，激发编剧创造力。

　　俗话说，「别人嚼过的馍不香」。要让影视创作充满原创动力、焕发生命活力，与其绞尽脑汁一再站在外国IP的肩膀上止步不前，不如扎根中国火热的现实生活和深厚的历史文化之中，从策划、制作、播出，每个环节都拿出创新的态度，创造的勇气，共同努力创造出更多新的优秀作品，让原创精神成为创作主流创造主流驱动的主要企业。

曲艺有「巧妙说」与「说巧妙」的传统，而「说什么」则是曲艺艺术社会教化功能的体现。莫以为只有「逗你玩儿」才体现曲艺的特质，殊不知，「逗你玩儿」与劝世方的「益人」不仅不矛盾，且是一个整体：逗是路径，益是目的；逗是热情，益是理性；逗，愉悦的是人的感官，心灵，则是抵达人之益。

　　文艺是时代前进的号角，最能代表一个时代的风貌。新时代呼唤一群思想精深、艺术精湛、制作精良的优秀文艺作品和文艺精品。在这过程中，作为中国民族饶舌、乡情乡音的曲艺艺术，坚持与弘扬「无书不益人」的优秀文化传统尤为重要。

　　曲艺是新中国成立后才确立的艺术门类，之前归属艺人撂地

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的什样杂耍。它由一种谋生技艺成为中华民族艺术家庭的一员，既与党和国家高度重视民族民间文化背景下其社会地位的提升相关，亦是数代曲艺人坚持励精图治文化自觉的结果。曲艺有「巧妙说」与「说巧妙」的传统，而「说什么」则是曲艺艺术社会教化功能的体现，其最重视、关注的正是最终给予观众的究竟是什么。于是，「无书不益人」作为一句凸显本质的艺谚艺诀，被一代代曲艺人口口相传。

　　中国艺术的美学价值，是美感功能与教化功能的协调统一。从事曲艺艺术创作、表演、理论，要在不违反艺术规律的前提下，充分展现曲艺艺术的独特魅力。作为中国饶舌文学或口语文学的重要组成部分，透过悬念、冲突、烘托、对比、节奏变化等进行思想表达、形象塑造，是曲艺创作惯用的技巧与功夫。曲艺包括鼓曲、唱曲等多个曲种形式，它们虽是抒情、赞美的“诗情画意”，却依然富有委婉、含蓄、言在此意在彼等艺术特色。曲调给予受众的开心绝非单一的笑，而是千姿百态、可以抵达人之心灵的独特之美，它包括让人动心的故事、宽心的语言、入心的曲调、会心的哲理等。

　　「无书不益人」中的「无书」，就是叮咛、告诫曲艺人，不存在任何曲目、形式可脱离「益人」的方向，要求不仅要引人入胜，更要让听者从中得到教益，获取裨益，有所收益。曲艺的益人价值可分解为「愉人」「愈人」与「育人」。愉人，是开心愉悦；愈人，乃消愁排忧；育人，则是寓教于乐。曲艺文化总是将“说什么与怎么说”“解乏和解惑”，即“有意义和意思”看成浑然天成、不容分割的“一个完整”。好的曲艺文本与创作，一定是它们之间的有机平衡，即便形式与内容所占的「比率」不一样，却不容任何一方面的缺失。

　　纵观历史，所有自古流传至今的曲艺经典，无一不是引人向上、弘扬人间真善美的题材与体裁，尤其是曲艺的一些长篇大书，大多是惩恶扬善、讴歌英雄，为人民百姓与社会正义鼓与呼的故事。足见令人听而长志、奋发向上是所有曲艺形式、作品共同追求的美感特质。

　　曲艺家「益人」谈何容易？黄宗羲曾在《柳敬亭传》中对明末清初的说书大家柳敬亭有过生动描绘：每发一声，使人闻之，或如刀剑铁骑，飒然浮空，或如风号雨，鸟悲兽骇，亡国之恨顿生，檀板之声无色……由此可见，能够抵达「益人」境界的曲艺人，不仅是博闻强记、诗辞典故信手拈来的学问家，更是富有家国情怀的思想家。

　　有别于技艺商人对「技艺」「功夫」夸大其词地卖弄，曲艺艺术家要让观赏者自己动脑筋去感受与联想，透过故事、形像等，引发受众启迪，去体味作品蕴含的深层价值。曲艺名家侯宝林、马三立、马季等，这些老先生都得益于对曲艺整体之“把握”而非“炫技”，因而他们的创作、表演，乃至改革、创新等，都源自一种清醒的艺术自觉。他们深知「艺无止境」的规律，因而永远拥有艺术创作的童心与青春。

　　为了“书益人”，曲艺人要做到“扮丑艺不丑”。曲艺艺术的美学价值里包括赞美、肯定美好，同时它亦极其擅长犀利无情地鞭挞与否定丑恶。 「扮丑」或「亮丑」是某些曲艺形式的特色或作品表演的需要。只是，丑所引发观众的笑，一定是观众对丑恶否定的嘲笑。因为曲艺追寻的喜剧价值，是让观众对那些招摇过市、弄虚作假、溜须拍马、自欺欺人等卑鄙品质和丑恶现象产生反感与轻蔑。在这样的一种美学理想支撑下，“扮丑”与“亮丑”皆是曲艺追寻价值的“过程”，从而唤起人们对丑的反面——美的热爱，这才是曲艺令观众“笑”的目的。相声名家马三立《买猴》中的“马大哈”、高英培《不正之风》中的“万能胶”等，透过相声艺术家的“集中”“夸张”“变形”，已由“生活丑”变成“艺术美”，成为富有“扮艺不丑”品质的生动鲜活的典型化人物形象。对这种美学价值的认可，则体现在老百姓口耳相传的「名声千家走」。

　　真正的曲艺人都擅长用「两只手」工作：左手抓住老百姓关注的故事情节，右手握紧曲艺的形式美感。 「两只手」紧紧合在一起而分不出左右——只有将形式与内容有机融合，使之分不出彼此的作品，才有底气和可

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能抵达「解惑」与「解乏」彼此兼容的「益人」品质。莫以为只有「逗你玩儿」才体现曲艺的特质，殊不知，「逗你玩儿」与劝世方的「益人」不仅不矛盾，且是一个整体：逗是路径，益是目的；逗是热情，益是理性；逗，愉悦的是人的感官，心灵，则是抵达人之益。侯宝林先生的相声《夜行记》，原本就是一位警察作者的“命题作文”，但经侯宝林的二次创作，它竟成为相声“益人”的经典之作。

　　曲艺很容易被“误读”，被认为口齿伶俐、声音甜美圆润才是“曲艺功夫”。其实，口才完全可以由“天赋加训练”抵达；达到“字字珠玑”，乃至于“声情并茂”的曲艺境界，则是一个完整、没有止境的“永恒工程”，它是一个人长期的文化积累、独立思考与判断，是其思维和逻辑方面的修养等“永远在路上”的表现。唯有曲艺人成为不低俗的人，其作品、表演才能与低俗等彻底决裂。只有创作出更多「无书不益人」的品质佳作，才可以无愧于这个伟大的新时代

国宝对着镜头，将自己数千年来的经历娓一群影视剧、综艺、纪录片、微短剧、直播节目、短片等在推动中华优秀传统文化创意转化、创新发展的过程中大展拳脚，建构起连动大小屏的视听奇观。然而，从零星显现走向大量涌现，从严肃厚重走向亲和明快，从“屏幕清流”走向“网络潮流”，传统文化题材影视创作在不断产生新变化的同时，也面临新的挑战。如何让传统文化的深刻意蕴穿屏而来，既保有独特魅力，又带着艺术创意，应引起业界更多思考。

资料图片

　　不仅提供知识，还应与现实生活产生联系

　　传统文化向来是中国影视创作的素材宝库。自1905年中国第一部电影《定军山》将同名京剧搬上银幕，到二十世纪八九十年代改编自四大名著的电视剧登陆荧屏，再到新世纪初《百家讲坛》等文化节目受到观众欢迎，促成“三国热”“论语热”……在影视艺术百余年的发展历程中，风景创作者不断中，绝视文化的精炼特色作品。

　　但受到创作理念的限制，传统文化题材在很长一段时间里集中于汉语字词、传统诗词、成语典故等人文领域，形式基本停留在讲座、改编，着重展现传统文化的基本样态，提供通识性文化知识，未能与现实生活产生紧密联系。虽偶尔出现收视黑马，却未能形成处处有艺术良驹的繁荣景象。党的十八大以来，中央大力倡导弘扬中华优秀传统文化，为影视产业发展提供了政策引导。在相关部门的鼓励支持下，创作者不断在文化价值和市场规律、艺术性和商业性之间寻找平衡点，使传统文化主题进入发展繁荣期。

　　与以往将不同类型的知识一锅烩的「文化大卖场」模式不同，近年来传统文化题材影视作品的创作更多地深耕垂直领域，围绕某一具有较强专业性的文化内容，如典籍字画、文物考古、传统曲艺、手工技艺等展开主题设计，更像「文化专营店」。创作者融合朗诵、情境剧、竞技、户外旅行​​等元素，让专业性较强的传统文化知识变得通俗易懂，贴近日常生活。同时，网路电影、微短剧、短影片等独具「网路基因」的艺术形式不断拓展创作思维、丰富表现形式、革新传播方式，又使传统文化题材获得观众尤其是年轻人的青睐，为传统文化的影像表达找到了新的植根土壤。

「中国节日」系列节目海报。资料图片

　　从元素展示进阶为对意境、气韵等精神层面的提取

　　新媒体技术深刻改变传统文化题材的表现形态，以移动模式、微短篇幅、即时传播，开创以小屏打开传统文化的全新方式，让观众能近距离观看、沉浸式体验。近年来，春晚、中秋晚会等传统节庆的电视晚会引入垂直萤幕直播概念。例如，央视中秋晚会在企划阶段便将舞台表演设计成兼顾横竖屏画面空间的艺术形态，直播时利用演算法进行智慧「横转竖」。山东卫视春晚的直播间支援用户自主切换、选择观看垂直萤幕或

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横屏的多机位，也设定节目单、按赞评论、烟火组件等互动功能。网友评论道，「竖屏拉近了舞台的距离，感觉像坐在剧院第一排」「我一边看节目一边刷评论，闵家团圆的节日氛围拉满，即使一个人过节也不孤单」。还有大批文博机构、非遗传承人和传统文化知识分享者活跃在新媒体上，积极投身各类以传统文化入题的短视频、微短剧、直播节目的创作，营造出传统文化影视赛道的热闹景象。

　　传统文化主题不仅在艺术形式上对接观众移动观看的需求，也从表演内容、传播管道等面向入手，更新创作理念，改变话语方式。微纪录片《如果国宝会说话》改变了以往影视创作人与文物的主客体位置，让国宝「活」起来。 《人物御龙帛画：天上见》一集把二维的帛画变成三维动画，让画中人御龙飞行，褒衣博带随风而起；讲述苏轫画变成三维动画，让画中人御龙飞行，褒衣博带随风而起；讲述苏轼撰诗并手书的《黄州寒食帖》时，创作者又以今人在视频里发弹幕的样式，表现古人在文艺上写题的过程。这些内容营造出轻松有趣味的观赏氛围，让高冷厚重的内容变得亲切可感。

　　新媒体也为主创与观众提供交流互动的空间，不仅为传统文化传播培养忠实受众，也吸引越来越多人加入创作者行列，传播创新带动创作创新。 「中国节日」系列节目根据网路受众回馈调整创作思路，在线上为《端午奇妙游》中唐小妹全网征名、海选演员、征集剧本，在创作《重阳奇妙游》时针对网友提出的减少特效、增加慢镜头特写等建议进行改进。还有一些短片部落客应网友要求创作作品，网友又以弹幕、评论等形式对作品进行艺术品品尝、史料补充、文化解读。诸如此类的例子不胜枚举，从线上线下的交互传播升级为虚实融合、主客融合的文化场域，从对单一传统文化元素的展现化用进阶为对传统意境、气韵等精神层面的提取和“虚拟仿真”，激发大众对传统文化的认同。

资料图片

　　不能在题材创作上浅尝辄止，得其形而遗其神

　　传统文化主题影视作品在萤幕网路上营造一派繁荣景象。但同时，创作娱乐化、同质化等弊病逐渐浮现。从宏观层面来看，微短剧、短影片等形式篇幅短小，容易出现速食化倾向，难以系统化庞大复杂的传统文化资源。投入其中的创作主体日趋多元，从传统影视公司到短视频部落客皆有覆盖，不同主体之间缺少协同合作，容易造成内容重复散乱，对中华优秀传统文化资源难以进行更有效的分配利用。观众透过这样的作品接收碎片化讯息，难以拼凑出相对完整系统的文化知识体系。

　　从微观层面来看，有的创作者为搭上传统文化热的快车，一味跟风复制。一时间以「传统」等为标签的各类创作批量涌现。其中部分作品疏于创新挖掘，只是简单挪用非遗、国风等文化符号，未能深入剖析这些符号背后的文化内涵、价值观念和精神价值，导致内容空洞肤浅。有的创作者一味追求新奇刺激，将缺乏依据甚至低俗的奇闻戏说作为主要内容。还有的创作者让作品主角顶着非遗传承人、某传统文化领域专家等身分谈恋爱、查案件，把传统文化当成甜宠恋情、悬疑剧情的背景板。更有什者，以「传承」的名义，创作违反艺术创作规律，甚至偏离中华传统人文精神的作品。凡此种种，使部分传统文化题材创作浅尝辄止、流于表面，得其形而遗其神，不利于大众对传统文化形成正确认知。

　　应努力建构中华优秀传统文化传播矩阵，培养引领

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受众群体

　　我们应从不同维度出发，促使传统文化主题影视创作传播尽快适应新媒体语境，形成健康有序的视听生态。其一，创作提质，让精品佳作唱主角。创作者应意识到自己所肩负的传承弘扬中华优秀传统文化的使命，端正创作态度，主动学习积累传统文化知识，提升自身的文化素养，以及创作的原创性、思想性和艺术性，推出既符合新媒体传播规律，又彰显艺术价值，更准确传达优秀传统文化精髓的作品。其二，协同发展，以多方合作促进传播。面对趋微向短的创作潮流，出品方和创作者应形成正确认知。过于轻量化的形态可能很难单独承担起传统文化严肃而宏大的价值体系，却能成为培养受众爱好兴趣、营造传统文化学习氛围的引导者。所以，我们应努力建构中华优秀传统文化传播矩阵，以微短形态宣传推广，从某一文化兴趣点入手聚集人气，培育受众群体，同时提供更丰富、专业、深入的长篇影视内容，两者互为补充、互相助力，达到有效传播弘扬传统文化的目的。其三，加强把关，为优秀内容引流量。相关部门应加强传统文化题材影视作品，尤其是微短剧、微纪录片、短影片的调控引导，确保传统文化内容的专业性和准确性。同时透过大数据、演算法优化等新技术手段，提高优秀作品曝光率，将高品质传统文化内容推送给广大用户。

　　现今的新媒体环境使传统文化获得了前所未有的施展空间。创作者应坚定文化自信，深耕传统文化，挖掘优质内容，将中华优秀传统文化与时代精神结合，让穿透大小屏的新视听生态成为弘扬传统文化、激发民族自豪感、推动中华文化走向世界的重要力量。

悬浮是近年来观众吐槽现实题材剧脱离现实、不接地气时使用的高频词，也是被业界专家学者广泛研究讨论的学术概念。这个词最早出现在2015年前后，一开始是说翻拍自外国电视剧IP的国产偶像剧或家庭剧，因故事中找不到与中国现实生活对应的连接点，使作品所讲述的情节、渲染的情感仿佛没有根一样，悬浮在半空中。后来，这股悬浮之风蔓延至非翻拍的国产电视剧创作领域。近两年，快速崛起的微短剧又成了悬浮剧的重灾区。

　　电视剧创作的悬浮之风主要体现在三个方面。一是细节悬浮，分为两种情况。一种是不符合现实逻辑或历史真实的细节，如校园剧里一位老师可以同时教授高三物理化学；给古装人物乱安官职，甚至出现“巡捕御史”等违背史实的内容。另一种是缺乏必要交代的小机率事件，如女主角末期查出怀孕，并未展示治疗过程，几年后身体痊愈，还生下一个健康的孩子；学习垫底的学生几个月时间就逆袭当学霸，成了高考状元。二是人物悬浮。虽然影视作品中的人物都经过艺术加工，但仍需在现实中「有迹可循」。如果主要人物的传奇色彩过于浓重，性格特征过于扁平或偏激，推动人物行动的主要情节存在较强的偶然性，观众用自身生活经

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验无法很好地理解人物，假大空的悬浮感就会油然而生。例如，身家千亿的公司总裁为了躲避长辈催婚，与素不相识的女人领证结婚，结婚多年后仍不知道老婆长什么样子。三是价值悬浮，即价值观展现失之偏颇、不尽全面。如青春校园剧表面上是表现大学生活，实际上却以曲折爱情为情节主线，教与学的校园主业反倒成为陪衬，甚至将校园打造成谈情说爱的场所。严格来说，悬浮之作就是一种披着现实题材外衣的伪现实题材剧。

　　追究悬浮之风产生的原因，或可在艺术生产过程中找到答案。第一，悬浮之作存在一定市场需求。在快节奏的都市生活中，悬浮之作给一些生活工作压力大的现代人营造出充满梦幻色彩的“白日梦”，帮他们暂时“逃避”或“遗忘”现实。第二，悬浮的创作相对容易。优质剧集创作需要花费大量的人力、物力、时间去寻找资料、深入生活。而悬浮之作可以闭门造车，跳过深入体验生活，甚至打磨故事的环节，直接将车祸、第三者插足、得绝症、先婚后恋等套路排列组合，以很短时间催熟剧本，看起来更省时省力。第三，创作者的程度参差不齐。有的人生活阅历较浅、创作能力较差，即便有不悬浮的主观意图，客观上仍会推出不接地气的创作。例如，有的创作者没有朝九晚五的工作经历，将职场描绘成他想像中的梦幻模样。有的创作者相关领域专业知识储备不足，其创作的法治、医疗等题材作品就会错漏百出。

　　尽管悬浮之风的存在有其现实成因，但其对产业乃至整个社会的危害不容忽视。这类作品虽然艺术品质不高，却可能以出演者的知名度、剧情的话题度、行销的高手段吸引观众，获得较好收视成绩。这种艺术品质与收视成绩倒置的吊诡现像一再发生，正常创作的生存空间就会被挤压。届时，向现实肌理、思想深处进发的探索意识和反覆打磨、精益求精的艺术匠心会受到冲击，有艺术含金量的作品就会减少。影视创作承载娱乐功能，本无可厚非。但悬浮创作以某种浪漫式的“完美”为人们提供遗忘压力的“避难所”，就很难给予大众直面现实中的不完美，并在不完美中看到真善美，从而在此基础上奋勇向前的勇气和信心。这种情绪上的沉湎与放松短期看似无害，长期下去就会把「娱乐」变成「愚乐」。

　　要扭转悬浮之风的不良社会影响，必须让创作落地。这就要求创作者端正创作观念，正确处理艺术真实与生活真实的关系。一方面，走出书斋、片场，走到祖国广阔的大地上，深入火热的时代生活中；另一方面，始终保

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有学习积极性，与相关专家、业内人士深度互动，不断提高文化水平、生活阅历和艺术功力。这样才能更好地发现现实生活、提炼现实生活、呈现现实生活。接地气不仅在于对生活细节的独特发现、对平凡人物的鲜活塑造以及对时代氛围的铺陈渲染，更在于将这一切组合在一起后激发出的深刻思想内涵。我们既不会一味宣泄情绪，也不能过度渲染苦难，而是让观众“在场”，近距离审视人物的生活，伴随着他们欢笑、争吵、苦恼，克服困难，追求幸福。随着剧情推进，观众在真实可感的场景中琢磨体会，由人观己，推己及人，悟出生活的朴素道理。这种透过耳濡目染、经验累积的「习得」过程领悟出的道理深入人心，振聋发聩。总之，对业界来说，悬浮之风不可取。现实题材影视作品要达到永续发展，就必须接地气。唯有如此，才能提人气、有生气。这理应成为影视创作者的共同追求。

在第五届中国歌剧节上展览的24部歌剧中，新创剧目19部，经典剧目5部（包括西方经典歌剧2部），歌剧创作显示出了磅礴的艺术生命力。近期演出市场大热的剧目，均为中华优秀传统文化与现代元素有机结合的成功案例。从中国优秀传统文化中汲取滋养，是中国歌剧民族化之路的必经之途，融合了中华优秀传统文化的中国歌剧正在新时代焕发勃勃生机。

　　歌剧作为一门起源于西方的舞台艺术，在西方已成为经典艺术形式，拥有广泛的观众群体。 19世纪末，歌剧从欧洲传入中国，吸引了一些进步音乐人的注意，经过国人百年探索，以民族文化为核心的中国民族歌剧开始崭露头角，涌

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现出一批优秀作品，如《白毛女》《江姐》《小二黑结婚》等。近年来，随着中国国际影响力的提高，中国歌剧的发展逐渐呈现两种趋势，一是国人演绎西方经典歌剧，二是创排原创民族歌剧。在第五届中国歌剧节上展览的24部歌剧中，新创剧目19部，经典剧目5部（包括西方经典歌剧2部），原创歌剧创作显示出了磅礴的艺术生命力。

　　由于歌剧艺术起源于西方，在我国群众基础较薄弱，我国歌剧的主要市场一般集中在一线城市和沿海发达地区，对于许多普通人来说，歌剧还是西方的高雅艺术，是和自己的文化生活有一定距离的「阳春白雪」。因此，如何提高歌剧在国人中的影响力，使其成为人民大众喜闻乐见的艺术形式；中国歌剧如何实现民族化之路的创新探索，在西方歌剧占绝对优势的国际市场中突出重围，是一直以来中国歌剧发展所面临的问题。可以看到，融合了中华优秀传统文化的中国歌剧正在新时代焕发勃勃生机，在这些中国歌剧作品中，我们或许可以找到可行而有效的实现路径。

　　中国歌剧《雷雨》曾在伦敦西区的伦敦大剧院演出，受到英国观众的热烈追捧。对英国观众来说，这部歌剧陌生又熟悉，熟悉是因为这是一部歌剧，陌生是因为这是一部由中国人作曲、中文演唱的中国歌剧。本剧改编自曹禺同名作品，采用了西方音乐制式，同时融入中国传统元素。演出结束后，歌剧《雷雨》融入的我国传统戏曲元素，其西方外表下浓郁的中国风情成为外国观众最为津津乐道的地方。歌剧《雷雨》的英国之旅无疑是中国歌剧冲出国门迈出的重要一步，可以看到，使其在国外引起重要反响的，还是其中所蕴含的中国传统文化。就像歌剧《雷雨》中的中国本土元素让英国观众着迷一样，近期演出市场大热的剧目，如舞剧《只此青绿》《红楼梦》等，均为中华优秀传统文化与现代元素有机结合的成功案例。这也展现出华人的民族文化认同感不断增强，文化自信日益强烈。在艺术表现中将中华优秀传统文化与现代元素结合，已成为拓展本土受众的一大法宝。歌剧作为一门集音乐、戏剧、舞蹈、美术、文学于一身的综合性艺术，从中国传统文化中“收百世之阙文，采千载之遗韵”，无疑具有得天独厚的优势。

　　就故事题材方面来说，中国传统文化中的史书立传、唐宋传奇、元杂剧、笔记小说、诗词、民间传说等无疑提供了丰富的创作灵感来源。原创民族歌剧《楚霸王》的故事题材便源自「楚汉相争」这一著名历史典故，创

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作者在忠实展现这段观众耳熟能详的历史的基础上，着重发掘其中的当代人文内涵，从人性的角度探究人物内心世界。原创民族歌剧《天地神农》则是借鉴了上古神话故事“神农尝百草”，创作者把当下现实与歌剧中为了解救大众于瘟疫的神农做了连接，上演后，剧中歌曲被作为儿童歌曲传唱，兼具教育性、普及性和现实意义。目前正在紧锣密鼓进行巡回演出的原创歌剧《义勇军进行曲》，其主题传承了上海红色文化，讲述了国歌诞生的故事。上海作为国歌的首张唱片灌制地，有着光荣的革命传统，该剧透过发掘地域历史特色，因地制宜，探索出具有海派特色的民族歌剧。

　　就艺术形式来说，中国传统文化中有着丰富的艺术表现形式，如各地的传统音乐、戏曲、舞蹈、杂技、美术等。这些传统元素与歌剧的结合无疑可成为原创民族歌剧的一大亮点。在歌剧《楚霸王》中，「四面楚歌」这一片段不仅是剧情的高潮，也是歌剧音乐优势的体现，作曲家在创作该段时跳出歌剧创作的固有程式，采用大量湖北和苏北民间音乐元素，让观众真切感受到了项羽身临「四面楚歌」之境，成为全剧的点睛之笔。

　　艺术不仅具有民族性，也具有世界性。中国歌剧的民族化不仅是狭义上创作出打上中国烙印的原创民族歌剧，也是用中国方式去讲述西方经典歌剧。在西方经典歌剧中注入中国传统文化元素，不仅是因为中国传统文化适应性强，创造性强的特点，也是打破西方在经典歌剧中的主导性，增强中国文化自信的表现。在上海歌剧院创排的西方经典歌剧《茶花女》中，观众为其致以最热烈的掌声和欢呼的时刻并非演出结束之时，而是在全剧的第二幕。该版本的《茶花女》将故事的发生地改到了一艘从上海开往巴黎的游船上，并在第二幕融入了一段由5名儿童杂技演员奉献的爬杆表演。这段杂技表演不仅完美融入剧情发展，也因在一部纯粹西方经典歌剧中注入中国本土元素而成为全场高潮点。 2018年创排的西方经典歌剧《微笑王国》，更为融合中国经典元素提供了得天独厚的条件。该剧讲述了一位欧洲少女爱上中国王子并与之来到中国的故事，因此在服装设计方面参考了清朝服饰，并进行了忠实还原。创作者在序曲部分加入了中国传统皮影元素，在西洋交响乐的映衬下，中式传统皮影戏概括演绎了剧中男女主角的爱情故事。该剧演出后大获成功，皮影片段已成为每位参演者和观众最深刻的回忆。

　　中国传统文化源远流长、博大精深，既是民族的，也是世界的，中国歌剧若要走向世界，就必须先守住其民族性，建立具有中国特色的文化标识，才能摆脱学步者姿态，成为观众喜闻乐见的艺术。从中国优秀传统文化中汲取营养，是中国歌剧民族化之路的必经之途，而只有民族化的中国歌剧，才能彰显拥有五千年文明的泱泱中华的文化自信，在国际​​歌剧界拥有一席之地，进而提高国际文化影响力。

近年来，「竖屏看电视节目」渐成潮流。从2022年开始，央视连续三年推出“竖屏看春晚”，使春晚实现从大屏到小屏、从横屏到竖屏跨屏传播。 2024年「竖屏看春晚」直播播放量达4.2亿次。当地卫视春晚也解锁垂直萤幕开启方式，山东卫视联合抖音推出「横竖屏+VR沉浸式看卫视春晚」。还有「竖屏看秋晚」「竖屏看歌会」「竖屏看火箭发射」等，电视媒体对竖屏模式的探索已从文艺晚会延伸到新闻、综艺等节目样态，实现「竖屏看电视节目」的迭代升级。

　　以电视为主要传播端口，专注横屏创作的电视媒体之所以涉猎竖屏领域，与大众观看习惯转变关系密切。在行动网路时代，越来越多的人以竖向掌机的方式观看视频，竖屏影像崛起。一开始，垂直萤幕影像主要见于抖音、快手等短视讯平台。后来，在微信、微博等社群媒体和爱奇艺、优酷等影片网站出现。随着手机逐渐成为观看电视内容的重要端口，电视媒体也开始在移动端布局，探索大屏幕内容小屏化、横屏内容竖屏化。 「竖屏看电视节目」就是其中一个探索方向。

　　「竖屏看电视节目」不是直接创作竖屏节目，而是把横屏播出内容转化为竖屏影像传播出去。这并不意味着对横屏素材进行适配竖屏端口的简单裁剪，而要基于竖屏影像美学特征对节目进行整体的艺术表达。竖屏9∶16或3∶4的画幅宽高比在表现近景人像方面独具优势，其近在咫尺的画面视觉冲击力与双眼聚焦营造的视觉封闭效果，能使用户获得与演员「面对面」的沉浸式美学体验。所以，「垂直萤幕看电视节目」在展现《龙》等

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歌舞节目及《我要不一样》等相声小品节目时，以参演者为视觉中心进行构图，运用近景特写展现人物的微表情，让用户关注横屏不易看到的画面细节。垂直画面影像受到画幅限制，较难表现出演员多、队列变化大、表演节奏快、虚拟场景多的大型歌舞、杂技节目的精彩性。有的创作者尝试用横屏构图较少使用的分割画面模式，运用三分、四分等分割画面效果，同时呈现全景舞台、局部特写、花絮镜头等，以多重视角营造丰富的观赏体验。以杂技节目《勇往直前》为例，创作者采用梯形三分屏模式，对素材进行放大、错位处理，突显画面重点细节的同时多角度呈现完整的画面内容。舞蹈节目《碇步桥》采用上下二分屏，上屏呈现主表演者的动作、表情，下屏以全景体现画面整体，实现多重艺术效果叠加。 「竖屏看电视节目」也采取多机位拍摄、特效包装、AI横转竖即时裁切等技术，尝试建立专业化、智慧化的制播流程。

　　我们在整体肯定「竖屏看电视节目」这一趋势的同时，应对其中潜藏的问题保持清醒认识。影视创作对竖屏影像的创作探索尚处于初级阶段，还没有建构起相对成熟完备的美学体系。当下的实践有些零星分散，且多集中于综艺晚会、大型报道，尚未形成竖屏电视内容矩阵。对电视节目而言，垂直萤幕影像只是横屏内容的补充和延伸，尚未对电视节目的创作流程、制播理念产生深远影响。在注意力经济影响下，还有部分创作者误将“扩大影响力”理解为“吸引眼球”，为迎合粉丝诉求，满足营销需求，将“竖屏看电视节目”简化为明星舞台直拍。

　　须知，探索「垂直萤幕看电视节目」的创作方法和发展路径不是一日之功。横转竖，不只是物理上旋转九十度这么简单。它既要保有节目原有艺术价值与思想魅力，也要契合行动装置视觉特性及受众需求，包括影像符号生成转换、内在逻辑连结重塑等深层议题的探索。竖屏影像要求表现内容在有限画幅空间内精确传递讯息，这就要求竖屏制播团队深度介入节目创作，在策划阶段就与节目编导充分沟通，使舞台表

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演兼顾横竖屏画面空间的艺术呈现。此外，垂直萤幕影像的观看场景多为公共场合与移动状态。若想在吵杂多变的环境中持续吸引观众注意，「竖屏看电视节目」还需提升观赏的互动性和参与感，实现视觉、听觉与触觉的全方位交融。例如，在观看软体上配置横竖屏多机位切换、查看节目单、点赞评论、烟火组件、边看边搜等互动功能，实现与用户的有效情感对话。

　　在媒介生态不断演变的过程中，「垂直萤幕看电视节目」凭借其与行动用户观看习惯的高度契合以及对碎片化内容的天然适配性，成为电视媒体创新实践的前沿阵地。电视人应积极投身其中，打开思路，大胆探索，在实践中总结有益经验，尝试建构更加完备的竖屏美学体系和更科学的生产制播流程。以高品质的内容引领用户和市场，才能让电视媒体始终保持竞争力和影响力，助推影视产业高品质发展。