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　有的观众信了虚高评分，观影后直呼遭遇营销「诈骗」；有的作品虽然评分不低，却在市场上收益遇冷；有的平台上存在大量非理性打分，成为饭圈互撕谩骂、恶意攻击的场所……近年来，不少影视作品的网络评分虚实难辨，与真实的观众反馈、市场收益存在差距，引发存在。

　　诚然，文无第一、众口难调，网路评分只是审视作品的参考维度之一，不能只靠评分论英雄。但不得不承认，选作品前先看网路评分，已成为许多人的习惯，高分和好评被视作影视宣传的底气，评分的虚实也关乎大众对作品的预期和对平台的信任。伴随媒介发展，从只能透过权威评奖、期刊的评论文章了解作品好赖，到自己能在网路平台打分写评论，这种变化对大众美学意识、观赏水平、消费方式以及影视评论环境等产生深远影响。

　　数据显示，截至2023年12月，我国网民规模达10.

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92亿人，网路普及率达77.5%。网路平台对影视作品的影响力日益增强，若网路评分与观众回馈、市场收益之间的差距增大，对影视创作环境与文化消费市场的负面影响也将与日俱增。所以，让网路评分更真实可信，成为当前业界亟待解决的问题。

　　网路平台出现评分评论功能，使「人人皆可评」成为现实。然而，评价主体激增，导致很难厘清评价者的评分是否公正，评论是否理性。这就给虚假评分可乘之机。有人为行销目的，为评论注水，使评分虚高；也有人为打压对手，恶意刷低分；还有人无视作品本身，全凭心情随意打分。这些情况使网路评分平台超越反映作品品质与观众印象的工具属性，成为夹杂各方利益诉求的博弈区、承载不同观点看法的舆论场。尽管近年来，在相关主管机关的监督调控下，网路评分平台不断完善机制，努力保障评分客观性，但虚假评分背后的利益链依然存在，虚假评分的现象仍时有发生。

　　除了虚假评分，网路评分与观众回馈、市场收益之间的差距还和评分标准与大众多元趣味不匹配相关，也源于优质作品供给不够、高品质短评对评分支撑不足。大众的美感程度越来越高、趣味取向日趋多元，而大部分评分平台仍以简单的评分展现一以概之，难免造成评分与大众知觉上的差距。同时，制作精良、饱含诚意的影视作品是大众评分能达成共识的基础，客观、专业的优质评论则是评分可信度的重要依据，二者与评分体系相辅相成，才能更好服务于大众的择优观赏，助力影视创作的提升。反之，作品扛不起评分，评论脱离了共识，网路评分与观众回馈、市场收益之间的差距就会自然显现。

　　针对以上网路评分中

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存在的问题和隐忧，还需平台端、作品端、评论端、政策端等各方协同发力，「脱虚向实」化解问题。

　　在平台端，要在持续完善演算法机制​​的基础上，与时俱进改善评分体系，更能满足大众多元美感需求。目前，一些建立时间较早的网路评分平台正面临用户活跃度降低、评分体系僵化等挑战，部分与票务销售绑定的评分平台则存在评分通膨、广告太多等争议。为此，平台端需要不断寻找自我革新的最优解，才有可能长久健康发展。例如,由中国电影艺术研究中心联合艺恩开展的《中国电影观众满意度调查》，作为独立于票房、售票及社交网站之外的电影综合评价体系，将普通观众与专业观众进行区分，其相对客观的分类方式可供平台借鉴。此外，平台对一些明显具有广告属性的评论及评分内容进行标记，也能一定程度上减少误导观众的情况发生。

　　在作品端，创作者要坚守艺术价值，以求真务实的态度凭借优秀作品赢得观众的认可，合理运用宣传方式吸引大众关注与互动，透过网路评分平台回馈的真实评价改进创作。与一些刚播出上映时网路评分虚高、后续评分大幅下降的作品不同，《漫长的季节》《封神第一部：朝歌风云》播出上映一段时间后，评分不降反升，展现出优质作品长久的生命力。大众对这些作品的回馈也为主创提供了理解时代美学趣味、完善文艺创作方式的重要参考。这种现象展现了评分体系与大众美学在好作品滋养下共同成长的可能性。

　　在评价端，一般人与专业评论者都应遵守规则，珍惜每一次评论与评分的机会。须知，放任自己成为扰乱评分体系的搅局者，可能在短期内获得经济利益或情绪价值，却对大众美学或产业发展产生负面影响。中央宣传部等五部门联合印发的《关于加强新时代文艺评论工作的指导意见》中，提出建立线上线下文艺评论引导协同工作机制，建强文艺评论阵地，营造健康评论生态，推动创作与评论有效互动，增强文艺评论的战斗力、说服力和影响力，提高文艺作品的精神价值、文化内涵和艺术价值，为人民提供更好。这些内容对评论者推动评分系统完善作出指引。评论者既要避免模式化、概念化的无效评论，也要警惕流量为王、利益至上的哗众评价。当风清气正的健康评论生态成为常态，网路评分与观众回馈、市场利益之间的差距自然会缩小。

　　在政策端，相关主管机关要持续加强监管力度，对不良行销手段和恶意评分行径进一步遏制，引导评鉴制度与影视创作同向共赢。在治理评分乱象的同时，鼓励更多网路平台与大学、研究机构等专业平台实现优质评价内容转化，营造大众珍视评分权的良好风尚，推动更多优质作品被更广大的观众看到，助力多元美学趣味百花竞艳，守护文化市场持续繁荣发展。

　　每一句评论、每一个评分、每一种观点，每一次在网路评分平台看似微小的美学碰撞，都可能产生影响下一个文艺创作风向的「蝴蝶效应」。在各方携手努力下，立足专业与客观的评价体系定能助力更多影视精品涌现出来，源自公平与善意的观点声量必将愈发洪亮，与大众对文化的向往共鸣回响。

从1990年代初《我爱我家》播出，情境喜剧在中国已走过30年岁月。然而，相较于最初的佳作频出、大众热议，近年来情境喜剧创作呈现总量较少、佳作稀缺、能见度不高的状态。身处消费场景多元、美感频繁迭代的多萤幕时代，情境喜剧如何持续吸引观众目光，成为学界、业界共同思考的问题。

　　情境喜剧指发生在相对固定的情境、特定的社会群体内，多个角色间且有喜剧色彩的系列短剧。它最初发源于酒吧现场表演，并随媒介发展逐步拓展至电视、网络等播出管道，成为世界电视业黄金档期播出时长占比最高的类型之一。中国情境喜剧发轫于1990年代。当时电视业快速发展，不断开播的新频道对优质内容需求较大。 《我爱我家》应运而生，首次将情境喜剧与受国内观众喜爱的小品、室内剧形式结合，以独特的场景、幽默的表达实现类型移植，让观众耳目一新。进入新世纪，完成本土化试水的情境喜剧进入繁荣发展阶段。 《外来媳妇本地郎》《东北一家人》等作品立足区域特色，完成方言剧的差异化探索；《炊

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事班的故事》将视角从家庭转入职场，展示工作中人与人之间的暖心故事；《武林外传》用章回体小说的样式和富有现代意识的人物解构传统武侠世界。之后，网路发展，影片网站成为重要播出平台。为吸引网路受众观看、评论、转发，《万万没想到》《爱情公寓》等作品选取更具话题度、感官化、青春化的内容，提高用户的参与性和体验感，以高效便捷的方式为观众提供情绪价值和艺术体验。

　　梳理情境喜剧的发展轨迹，每次类型升级都与传播媒介的变化相辅相成。然而，近几年，传播媒介再次改变，短视讯平台兴起，手机观看流行，影集观看方式分流。遗憾的是，情境喜剧这次却未能与时俱进，及时调整创新：虽是长视频，却多为单元剧形式呈现，集与集之间联系不紧密，难以给人带来酣畅淋漓的沉浸观感；每个故事相对独立，一集却有几十分钟，难以满足用户碎片化的观赏需求。部分情境喜剧不仅形式难以有效对接受众新诉求，内容上也创新乏力。许多作品仍采取「平衡-打破平衡-重归平衡」的循环叙事结构，情节较为简单，缺乏变化和新意，容易让人美感疲倦。难以靠着类型优势和内容创新吸引观众，有些创作就在制造极致的戏剧效果上做文章。有的给人物贴标签，刻意放大甚至丑化其性格的某种特质，比如把活泼爱聊天演绎为贫嘴薄舌，把生活节俭表现成视财如命，导致人物扁平，不接地气。有的为了搞笑而搞笑，随意抄袭网络段子，把“没乐找乐”当幽默，把低俗、媚俗当通俗，导致情景喜剧只剩“情景”难产“喜剧”，进一步消耗了市场信心。猫眼专业版2023、2024年热度排名前三十的剧集中，情境喜剧数量寥寥。

　　放眼世界，一些国家的情境喜剧虽然也受行动网路传播模式冲击，但仍保持着市场热度。分析其中缘由，与其边拍边播的制播模式有关，即每周推出一集，连续播出一季，在此期间根据观众的反馈及时调整剧集走向，收视成绩优异的作品可播出多季上百集。这样做不仅可以及时回应当下时事热点，探讨最新社会话题，也能与受众深度沟通，密切互动，还能打造IP，发挥品牌效应。

　　我们不必照搬海外的制播模式，但可以将他们的创作经验与以往我们自己的有益探索结合起来，提炼适合当下中国情境喜剧发展的思路。首先，创作者要洞察时代新风，捕捉社会新变。当年《爱情公寓》走红，就是

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因为它透过轻松搞笑的剧情引发舆论对「相亲能不能找到真爱」「怎么疏导产前焦虑」「如何应对人口老龄化问题」等大众关切的新热点话题的讨论。其次，动态追踪受众的消费习惯和美感迭代趋势，并予以正面回应。透过短影片的数据分析洞察不同圈层的用户诉求，然后透过「小逗剧场」「板凳单元」等长影片网站的专题剧场创新编排、规模放映，打造差异化的消费场景，及时有效地满足人们多样且多变的观赏需求。再次，与综艺节目、线下剧场等合作，打造喜剧IP，推动人才、作品和平台的价值共创。如《一年一度喜剧大赛》等喜剧综艺节目集结大量线下剧场、影视创作领域的喜剧力量，透过竞演打造优秀节目，然后孵化衍生剧。

　　总之，身处在媒材融合的多萤幕时代，情境喜剧应打破原本的媒介界限，让丰富多元的作品和不同诉求的观众精准匹配，让创作者和观众跨越时空实现情感互动。为实现这个目标，创作者应锻造从时代微尘、生活肌理中挖掘故事、提炼笑点的能力，也要提升用创新形式给观众制造惊喜、用先进理念打造喜剧IP的智慧，让情景喜剧焕发新的生机，成为影视产业一道独特的风景线。

　每当我们谈到中外话剧经典，无论出自莎士比亚或易卜生，无论属于曹禺还是老舍，能够担当「经典」二字的，无一不是优秀的文学作品，无一不是以优秀案头剧本为前提的舞台创造。文学提供的精神视野与情感价值、敏锐感受与精准表达，是话剧最可贵的艺术资源。

　　文学作品的话剧改编是近年戏剧舞台上的重要现象。光是新世纪以来的本土作品改编，我们就可以列出长长的名单：《长恨歌》《推拿》《白鹿原》《平凡的世界》《一句顶一万句》《历史的天空》《繁花》《尘埃落定》《人世间》《狂人日记》《我不是潘金莲《俗世奇人》《主角》《钟鼓楼》《人间正道是沧桑》《红高粱》《一日三秋》《张居正》……这些赫赫有名的文学作品已成为话剧舞台创作的重要组成部分，形成对原创话剧的有力补充。同时，文学改编也体现了话剧艺术的文体自觉，显示出话剧艺术对文学性这一自身重要属性的确认。

　　文学一直是不同门类艺术的基础支撑，电影、

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电视剧、戏剧等领域，都不乏文学改编之作。话剧，顾名思义，是一门离不开语言的艺术形式，与文学关​​系更为密切，对于话剧来说，文学改编是顺理成章的选择。在当代戏剧发展历程中，文学改编从未缺席。一些重要院团的「看家戏」很多都是来自文学改编，如北京人艺的经典话剧《骆驼祥子》和新近排演的《正红旗下》。许多戏剧名家的代表作也都来自文学改编，例如黄丁山的《我在天堂等你》、方旭的《二马》，皆是以话剧形式对文学作品进行解码与重构。作为原创的重要补充，文学改编拓宽了戏剧舞台作品的来源，并不断为戏剧舞台提供滋养。经由文学加持的话剧作品，往往更具精神厚度与艺术深度，更能彰显文学魅力，也让戏剧舞台更有活力和活力。特别重要的是，文学作品改编话剧让一度在话剧作品中有所欠缺的文学性复归话剧舞台，重新成为创作者和观众视野中的艺术标准。

　　自1990年代始，一些先锋戏剧作品的文学性便有所弱化。近年来，伴随「后戏剧」时代来临，各种新的剧场要素被推向前台，代表文学高度的剧本越来越被忽略。这些关于戏剧可能性的新探索固然可贵，但其对话剧创作也产生了一些负面影响——轻视剧本、忽略文学的倾向出现在创作领域。这样说，并不是要求话剧一成不变，而是要求它有所坚守──坚守文体的纯正，在守正基础上再进行创新。这个“正”，就是文学性。

　　在关于戏剧艺术本体性的研究与讨论中，我们常听到这些答案：戏剧是综合艺术、舞台艺术、剧场艺术。戏剧确实具有综合性，也需要在舞台上和剧场中获得生命，但戏剧同时也是文学艺术。尤其话剧，将文学性视为其第一性，不算夸张。每当我们谈到中外话剧经典，无论出自莎士比亚或易卜生，无论属于曹禺还是老舍，能担当「经典」二字的，无一不是优秀的文学作品，无一不是以优秀案头剧为前提的舞

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台创造。文学提供的精神视野与情感价值、敏锐感受与精准表达，是话剧最可贵的艺术资源。在这一点上，其他戏剧类型都没有话剧的要求迫切。

　　譬如歌剧，虽对歌词有文采要求，但声乐与器乐才是表现剧情的主要载体，舞台美术和服装也占有重要位置。再如舞剧，虽剧情依托故事，但故事线索通常较简单，整体没有台词参与，肢体动作作为舞剧传情达意的重要媒介，价值高于其他要素。就算是戏曲，虽有《牡丹亭》《西厢记》等文辞典雅华美的作品，但多数代代相传的剧目对故事、人物甚至唱词的要求并不高，逻辑简单的故事、性格单一的人物、不甚讲究的唱词等在戏曲中并不鲜见。受众「听戏」的美感期待在于悦耳娱目，唱念做打甚至配器伴奏都非常重要，文学性则是锦上添花。唯有话剧，与文学的亲缘关系最为密切，对文学性的要求高于其他姊妹艺术。这也是为什么依据文学作品改编的话剧多于其他类型戏剧的原因。

　　虽然戏剧观念和艺术边界不断拓展，戏剧艺术的重心经历了从剧本到舞台、从舞台到剧场的转移，话剧艺术也在强调自身的剧场性特征，但文学性作为其重要属性，依然提示创作者不断向其复归。文学改编就是这种情形下话剧创作的自觉。

　　对于改编者来说，站在文学肩膀的高起点上，他/她已经具备了先天优势，接下来需要着重考虑的是怎样不辜负这个条件，在与原作的对话中进行一次新创造。一个好的改编者，从不是原作的搬运工，而是善于理解与掌握原作精神，同时生发新的意义。改编是另一次创作，是改编者价值观念、现实敏感、美感趣味与原作之间的碰撞融合。只有相得益彰和相互成就，才会有成功的改编。改编自张爱玲同名小说的话剧《红玫瑰与白玫瑰》，以两人饰演同一角色的方式表现人的两面性，玻璃走廊将舞台一分两半，既平分秋色又让人左右为难，男主人公对感情的不专一就这样被具象化了。北京人艺和陕西人艺的两版《白鹿原》，用的是孟冰改编的同一剧本，分别经由林兆华和胡宗琪进行二度创作，即表现出不一样的美学风格，前者高远苍茫，后者沉郁苍凉。同样依托作家刘震云的作品，丁一腾改编的《我不是潘金莲》以青花瓷盘式转台和戏曲旦角空脸做出符号化隐喻；牟森则在极简的舞台上演绎《一句顶一万句》中主人公的孤独。这样的例子不胜枚举，我们从中看到：文学保证了话剧作品的艺术品质；经由文学作品改编的话剧，则在彰显文学性魅力、增加舞台精神厚度的同时，完成了对文学作品的再创造与再传播。

　　文学改编话剧，本来就是一场文学与舞台之间的双向奔赴。当文学在舞台开花，舞台会因此流光溢彩；当舞台完成文学想像，文学便获得诗意重构。作为一种文体自觉，文学改编既是话剧的重要创作方式之一，也必将为舞台带来持续生机。因为，在这场艺术再创作中，话剧会借文学之名成长，文学则会在舞台之光下愈发明亮。

屈原故里闯入“不速之客”，主人公身世成谜，从楚辞赏析到叩问历史，一段跨越千年的古今对话就此展开……今年端午节，光明网联手湖北宜昌推出的微短剧《子归子归》在网上引发观剧热潮。 「微短剧+传统文化」的创新表达，成为中华优秀传统文化创意转化、创新发展的又一次生动探索。

　　篇幅短小精悍、情节跌宕起伏，快节奏、强冲击、多反转……因能满足碎片化的审美需求，网络微短剧受到不少年轻人的追捧。数据显示，近年来，各大社群平台上网路微短剧发展迅猛，微短剧全年备案数量从2021年的398部上升至2022年的近2800部；2023年中国网络微短剧市场规模为373.9亿元，年增267.65%。

　　微短剧虽“微”且“短”，却“微而不弱、短而不浅”。 《我的归途有风》讲述乐山的非遗美食文化与地理文化，播放量超1.9亿次；以北京胡同为主场景的《我是名角儿》展现了老北京胡同文化、北京特色美食与京剧艺术的融合魅力，让京味文化走进更多年轻人的视野……这些精品微短剧在富有文化内涵的同时，用现代视角重构经典，让中华优秀传统文化焕发新的生机，展现古今共通的文化脉络，其「出圈」走红不难理解。微短剧作为一种文化新业态，与传统精神内核碰撞后产生的巨大能量，正是当下这个时代最能引发大众共鸣、满足大众需求的文化传播新力量。

　　在新技术、新业态赋能中华优秀传统文化保护传

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承的同时，中华优秀传统文化也为微短剧发展注入了灵魂和精神内核，有利于提升微短剧整体的精神厚度和文化意蕴。近些年，随着微短剧数量“井喷”，不少作品为了杀出重围，一味在“爆点”上做文章，出现了审美低俗、打擦边球等现象。同时，霸道总裁、甜宠虐恋等主题成为微短剧套路，雷同剧情也不断上演。因此，当一部讲述海外文物归家之路的微短剧《逃出大英博物馆》出现在观众面前时，很难不引发共情和讨论，该剧播放量在短时间内突破2.5亿次。这也为产业发展提供了启示与借镜：微短剧亦可彰显丰厚的文化底蕴，在兴文化、展形像等方面发挥重要作用；好的立意加上好的讲述创造出的精品，能赢得流量与口碑的双丰收。

　　需要看到的是，目前「微短剧+传统文化」的类型创作也或多或少存在着「伪国风」的现象。例如，在叙事上，有的情节落入俗套、有的表达浮于表面，或者内容空洞、硬拔立意，这些都难免使观众产生审美疲劳和抵触心理，甚至对中华优秀传统文化产生误解和偏见。在微短剧规范化、精品化发展趋势下，创作者要不断修炼“文化内功”，深入挖掘、潜心创作，将中华优秀传统文化精髓融入精彩故事；在叙事方式和影像表达上，注重作品内容与大众视角深度交融，探索以小见大、以情动人，力求讲述要，从而实现形式与大众内容的统一。

　　让中华优秀传统

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文化成为“新顶流”，是每位网路文艺创作者都应有的自觉和担当。期待在持续的探索实践、创新创作中，更多高品质的中华优秀传统文化主题微短剧脱颖而出，更多网络文艺新形式不断涌现，讲出更精彩的中国故事。

在「人人都是创作者」的自媒体环境下，网路上芸芸众生的海量影像将「共创」推成了热词。 「共创」指影视作品的共同创作，一般由专业化主创团队统筹，多个创作主体根据相关需求构思、拍摄并提交影像素材，主创团队再对这些素材进行筛选和艺术加工，完成上线播出等后续环节。

　　「共创」运作方式丰富多样，有影视制播机构之间或跨领域机构的“专业共创”，如国家广电总局网络视听司组织芒果TV、哔哩导播机构之间或跨领域机构的“专业共创”，如国家广电总局网络视听司组织芒果TV、哔哩播报社、腾讯视频、抖音等共同打造的《同心向未来——2024中国网络视听年度盛典》，山东广播电视台等共同打造的《同心向未来－2024中国网络视听年度盛典》，山东广播电视台等共同打造的《同心向未来－2024中国网络视听年度盛典》，山东广播电视台等美国主要由黄河驻黄河联坛的主要普通国电视省。户共创”，如透过剪辑和加工大众拍摄的影像片段，让500多位普通人作为“主演”登上大银幕的纪录电影《烟火人间》，以及来自68个国家和地区的众多网友联屏共舞互动的春晚节目《晒share》；还有借助技术手段实现的“人机共创”，如同《龙》的《龙》影本摄影创作《罗版》的《我们》合作的英文版《罗版》纪录片《我们参与》，如《AI》的英文版。以「共创」为主要理念的影视创作改变了传统生产制作的流程，启发了一条兼具创造性和持续性的新路。

　　「共创」并非横空出世的全新概念，其在影

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视产业发展之初就有迹可循。在彼时媒介资源相对稀缺、技术水准有限的条件下，不同地区的影视机构联合起来，或由中外影视机构开展合作，共同拍摄电视剧、综艺节目、纪录片等不同类型作品，互相吸收借鉴创作经验，推动不同主体或国家间的文化交流。此外，这段时期流行的观众来信、观众满意度调查等媒材互动方式，也调动大众智慧，为影视内容创作挖掘出了不少富有创意的「金点子」。这些早期实践孕育了「共创」的雏形，如今随着产业的发展，「共创」的内涵与外延得到了新的拓展，逐渐形成独具特色的创作模式和风格。这种创作模式打破专业、产业等壁垒，让一般大众、高新技术等生产要素直接介入内容生产，激发出极具创意的艺术新表达，使内容彰显出创新、共享、融合的网路气质。

　　由是观之，「共创」既契合行动互联网发展下全民参与的期待，也拓宽了影视创作的边界。如何进一步释放「共创」的潜能？对开展共创的团队而言，要在创作想法和技术创新上着力深耕，才能开启更多的可能性。在创作思维上，应以更具开放性、包容性、创新性的态度组织策划，广泛开拓参与形式、参与维度和参与主体。除了常见的征集影片素材，「共创」还可以深入IP孵化、后制、行销宣传等更复杂多元的环节。如系列短剧《理想照耀中国》面向全国观众征集线索、创意、剧本、主题歌词曲。电影《封神第一部：朝歌风云》吸引大批观众投入行销行列，自愿为作品整理资料、策划宣传活动，实现「共创式行销」。不止于此，这种观念上的更新也助推主创团队积极寻求与跨品类、跨行业、跨领域的主体开展共创，如与游戏和主题公园等衍生品类的互通，以及与地方文旅的联动等。

　　而在技术创新上，创作团队则应紧跟时下技术发展的节奏，推动前沿技术在「共创」中的实际落地与应用。目前，生成式人工智慧已经可以较为深度模拟人类的创作能力，且能基于人工指令快速生成剧本草稿、美术分镜、影像素材、配音配乐等内容，为专业创作者提供了更有效率的创作辅助工具。例如，湖南卫视推出的综艺节目《我们仨》不仅让AI导演「爱芒」承担节目旁白、环节串联、行程策划的角色，还运用AI即时对话、影片剪辑等丰富功能，巧妙实现人工智慧与真人嘉宾的「共创」。

　　当然，作为一种仍处于探索之中的创作模式，「共创」也存在着一些不可忽视的短板。 「共创」意味着广泛社会主体的共同参与，而大规模的征选、遴选和再创作流程，增加了作品品质控制和沟通协调的困难。这对创作团队的能力提出了极高的要求，若其统筹和调度能力有限则容易让创作虎头蛇尾、功亏一篑。此外，一般人是参与「共创」的主要力量，但其创作能力和程度相对有限，拍摄的影视素材也通常

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以生活日常记录为主，这导致「共创」作品品质参差且题材单一。如何能将「共创」与影像创作进行更深入的结合，在更多元的影视品类中融入「共创」模式、在更广阔的产业连结中融合「共创」思维，亟须更多的前瞻性实践探索。当下「共创」的风头正盛，部分主创把其当成博取流量和眼球的噱头，如一些顶着「共创」名头的作品拿粗制滥造的内容煽情，用情感道德绑架观众。这些现象说明，有些创作者在将「共创」当作捷径。然而，影视创作始终应遵循艺术逻辑与规律，追求品质提升与艺术创新，不应以简单的拼凑来敷衍观众。

　　「共创」的本质是透过广泛凝聚各方的力量和智慧，帮助主创团队拓宽创作想法、深挖作品厚度和深度。其归根到底是创作技法层面的突破，即使「技」再夺人眼球而无「艺」之进步，「共创」也将沦为空有概念而无实质的「花架子」。因此，创作团队要将「共创」落在服务艺术创作上，以「共创」之力实现影视艺术与大众之间的双向奔赴，才能创作出更多经得起观众评价、市场检验和时间考验的文艺精品。

电影是光影交织的艺术，蕴含丰富的美学内涵与思想价值，具有广泛的受众群体，而青少年则是充满活力和好奇心的观影群体。根据相关调查，24岁以下的青少年族群约占中国观影族群的三分之一，他们成长速度快，观影需求旺盛。看电影能对青少年的心智成长、美感提升提供助力，将青少年培养成具有良好鉴赏能力和美学情趣的观众，又能使未来电影市场更加理性健康，对电影行业的长远发展大有裨益。所以，不仅要让青少年爱看电影，更要让他们会看电影。

　　《五朵金花》海报资料图片

　　青少年为何要多看电影

　　有人说，电影是造梦的艺术，而青少年正是爱做梦、更爱追梦的

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年纪，电影与青少年天然是精神「好伙伴」。青少年正处于价值观和世界观形成的关键时期。在这个阶段，多看电影能为青少年打开一扇窗，让他们以美感的方式认知历史、社会和人生，从而将更多注意力放在精神层面的价值追求上。

　　从客观效果来看，电影里蕴含中华民族的文化精髓，青少年能透过看电影增强文化认同，凝聚民族情感。电影里也蕴藏着人类历史文化的大量讯息。青少年透过看电影，足不出户就可以了解不同国家和民族的风土人情，增长见识，扩大视野。电影更以精彩的故事带青少年在情感的海洋中航行，体验人物丰富多彩的内心世界，从而培养更细腻的同理心和敏感的同理心。不仅如此，电影也能提高青少年的注意力，让他们在紧张的情节和连贯的故事中，学会集中精力，这对于他们的学习和日常生活都有所好处。

　　可见，作为教育工具，电影能在潜移默化中传递知识、启发智慧，启发青少年思考，激发他们的想像与创造力。而作为一种艺术形式，电影又能陶冶情操、温润心灵，让他们在欣赏美的同时，学会创造美丽。因此，多看好电影对于青少年的成长具有不可估量的价值和意义，它不仅能够丰富青少年的精神世界，还能够为他们的人生道路铺设坚实的基础，引领他们走向更加广阔的天地。

　　《红色娘子军》海报资料图片

　　对青少年而言什么是好电影

　　随着产业发展与技术进步，电影创作生产能力大幅提升。截至目前，全世界有上百万部电影，每年全球电影产量接近9,000部，2023年光是我国生产的长片就有792部。可供选择的影片浩如烟海，但部分青少年在选择观影时却难以分辨何

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为好电影，以丑为美，被劣质电影中一些价值取向存在问题的情节或角色误导，或只满足于电影表面的热闹，简单欣赏故事的强情节、演员的高颜值，无法深入理解电影背后深厚的文化内涵和审美意。

　　那么，对青少年来说，什么样的电影才是好电影呢？首先是要有好故事，电影是靠说故事取胜的。好故事要遵循基本的戏剧逻辑。西部电影讲究三段式叙事结构，即“开端—发展—高潮”，而中国电影强调“起承转合”。夏衍先生在《写电影剧本的几个问题》中对「起承转合」进行过详细明确的分析，指出起是故事的起点、开始，承是承接上面的开端而予以发展，转是峰回路转的转，转折、转化，也就是矛盾、冲突、斗争等，合是结尾，即中国戏里的所谓圆团圆。拿起承转合式结构的典型之作《五朵金花》为例，作品开篇交代男女主角阿鹏和金花在传统节日“三月三”相遇相识，接下来阿鹏与两位到云南大理采风的艺术家一起开始寻找金花之旅，先后遇到积肥、畜牧能手、拖拉机手等，这些人物不仅出现了丰富的故事。在寻找金花的过程中，阿鹏和艺术家们经历了一系列挑战和困难，不仅增添了他们的智慧勇气，也加深了他们对中华民族文化和传统的理解。最终，在优美的风景中，阿鹏和金花终于团聚，整个故事以温馨感人的结局收尾，展现了爱情的美丽和坚韧。

　　其次，要有丰满立体的人物塑造。丰满立体的人物往往具有鲜明的性格、坚定的信念和强大的行动力。例如《小兵张嘎》中的张嘎，他爱上房、喜欢恶作剧，但勇敢坚强，面对敌人的严刑拷打昂然不屈，成为中国电影史上经典的小英雄形象。 《红色娘子军》里的吴琼花既有坚忍不拔的英雄气概，也有质朴甚至莽撞的一面。动画片《哪吒之魔童降世》中哪吒顽皮不羁，但又爱憎分明……丰满立体的人物是从生活中提炼的，而不是凭空臆造出来的。

　　再次，要蕴含隽永深刻的精神力量。好电影能为人生道路点亮一盏明灯，指引青少年形成更健康正向的世界观、价值观，是我们汲取精神力量的不竭泉源。例如，《摔角吧！爸爸》讲述了一个印度摔角手父亲培养两个女儿成为世界级摔角冠军的故事。这部电影不仅传递了坚持梦想和努力奋斗的重要性，也展现出父爱的深沉和隽永，为观众提供了深刻启示。 《我不是药神》则讲述一个普通人帮助无数患者获得低价救命药的故事，让观众看到了他身上的人性光辉和社会责任感，传递了爱心和正义感，激励观众思考如何在现实生活中做出积极的改变，以更好地回馈社会、帮助他人。广大电影创作者应遵循这些好电影的标准，深入了解青少年的接受习惯和美学特点，尊重他们的个性和需求，创作更多既符合主流价值又具有艺术魅力的电影作品。

　　资料图片

　　让青少年用美感的眼光看好电影

　　为什么我们有时看完一部电影会觉得身心愉悦，精神升华？是因为好的电影具有美感功能。美感是一种体验，即主动、自觉地让主客体融为一体，使人的外在现实主体化，人的内在精神客体化，充分展示自身自由、自觉的意识以及对理想境界的追寻。人在美感经验中获得的不仅是生命的高扬、生活的充实，还有对自身价值的肯定以及对客体世界的认知与掌握。所以，要让青少年从“看电影”到“会看电影”，就必须培养青少年的鉴赏力，让他们学会判断电影的品质，追求崇高的精神享受。例如，要让青少年分辨电影的画面构图是否优美，光线是否漂亮，音乐是否动人，剪辑是否连贯，还有人物的服饰、妆容，建筑的造型等是否符合故事情境和叙事逻辑。再往更深层次挖，还要引导他们学会分辨哪些内容是正向的、健康的，是否符合主流价值等。

　　要达成以上目标，就必须以艺术普及教育为依赖。首先，让青少年接触大量不同类型、不同风格的好电影。近年来，各大院线、电影片方以及艺术机构透过组织电影导览、电影展映、大师课等活动，把好电影送到青少年群体中，让他们了解电影艺术的多样性和丰富性，在校园乃至社会上形成了浓郁的电影文化氛围。不仅如此，国家越来越重视青少年美育工作，组织出版大量电影类普及图书，开展丰富的艺术普及课程，由浅入深地介绍电影知识

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，分析电影的故事情节和视觉效果，探究电影的主题思想、叙事结构、艺术风格等。

　　一项针对00后观影群体的调查显示，透过影片网站看电影的观众超过74%。所以，针对青少年的艺术教育普及应向网路拓展，与视讯平台、社群平台、直播平台等新兴的传播媒介结合。在遵循相关法令的前提下，针对青少年的接受喜好，推出二次创作、剧情解说、电影评论等形式新颖多样的活动。

　　青少年的成长关系到国家的未来和民族的命运。让我们携手合作，为青少年打造一个充满艺术魅力和精神滋养的电影世界，营造一个鼓励和引导青少年爱看电影、会看电影的良好艺术氛围和社会环境，让他们在光影的海洋中自由航行，汲取成长的力量，为成为国家的栋梁奠定坚实的基础。

　近年来，文旅融合不断深化，大众出游热情持续高涨，文旅题材成为影视创作新热门。然而，作为文旅类影视创作重要组成部分的文旅类综艺，在探索文化和旅游的有机融合方面做得还不太到位，部分作品存在只有「远方」没有「诗」的现象，产生的问题值得关注。

　　文旅类综艺每一次表现形态的转变，都与人们

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对「诗与远方」的理解变化有关。二十世纪八、九十年代，随着改革开放的推进，人们对「远方」的渴望与好奇心日益增强。 《正大综艺》应运而生，其子栏「世界真奇妙」采取「旅游文化体验+益智竞猜」的模式，让观众透过外景主持人的探索讲解和互动问答，了解「远方」的自然风光和文化习俗，增长知识见闻。进入二十一世纪，随着生活品质的提高，越来越多人把去「远方」看美景当成文娱消费的重要选择。于是，文旅类综艺推出《有多远走多远》《行者》等节目，记录旅游达人在「远方」行走的真实体验，满足人们对旅游资讯的需求。 2014年后，人们的旅游观念进一步改变——他们不仅想去“远方”，还想体验“远方”的别样生活。在这种背景下，真人秀节目如《花样与少年》《花样爷爷》等相继推出，使文旅类综艺进入新发展阶段。这些节目以明星嘉宾在旅行中完成指定任务为主要内容，展现明星的性格特质、互动关系，以较强的娱乐性和参与感强化观众对「远方」的沉浸感和体验感。近两年，旅游业进入转型期。从短时间内参观多个景点的“特种兵式旅游”到走出校门开展实践活动的“研发游”，从博物馆、文化街区到露营地，人们对“远方”的理解以及需求呈现多元化、个性化、品质化趋势。文旅类综艺发生了相应改变，涌现出露营类、经营体验类等子类型。

　　整理文旅类综艺节目的发展历程我们发现，大部分节目对「远方」的关注有余，对「诗」的挖掘不足。有的节目将“文旅”等同于“观光”，缺乏对文化旅游资源的深度解读；有的节目落入真人秀的创作窠臼，人为给嘉宾制造不必要的困难，将展示明星的真性情、私生活作为看点，使旅游目的地沦为模糊的背景。还有的节目虽然有“诗”也有“远方”，却未能将两种形态有机融合，让它们有效联动。这类节目播出时大幅提升了拍摄地点的知名度，留下的设施、场景却未能转化为可持续开发的文旅资源，造成资源浪费甚至影响了周边居民的正常生活。

　　面对这种情况，我们应积极探索内容和形式的创新，实现「诗与远方」的双向奔赴。

　　一方面，要在「诗」上做文章。创作者应积极探索旅游的文化内核，挖掘旅游目的地的文化内涵，灵活运用纪实手法、真人秀、Vlog、小剧场、动画特效等多种表现形式，对旅游目的地的自然风光、风土人情、历史文化等「诗意」内容进行深入且多维度呈现,使观众在旅游之美中悟体会文化之美体中体验之美体体验之美。另一方面，要将「诗」与「远方」结合。 《中国影视综取景地报告》显示，90后、00后是

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影视剧和综艺取景地旅游的消费主力，他们前往影视拍摄地进行沉浸式体验，这成为文旅消费的新热点。因此，文旅类综艺节目可以透过叙事情节和环境氛围的精心塑造，赋予取景地丰富的文化内涵，建构富有艺术感染力的景观，使「诗」与「远方」两者之间相融共生。

　　随着文旅热潮来袭，综艺节目创作领域呈现出一种「文旅+」的新趋势。例如，户外真人秀《奔跑吧》、慢综艺《向往的生活》等以优质文化内容、多元行销手段赋能文旅产业，启示着更多文旅从业者和综艺节目创作者要即时联动、建立深度合作关系，共同思考与搭建「诗」与「远方」的融合创新体系，最大程度地打艺「文旅+」产业。

　　文旅类综艺节目甚至「文旅+」综艺节目只有实现「诗与远方」的深度融合，创造更多高品质的美好生活内容和体验，才能满足人们对文化的更深需求和旅游的更高期待

　随着媒介融合发展的进一步深化，如今的影视作品传播进入了「人人都是批评家」的社群媒介时代。影视作品的传播模式及其回馈机制，发生了根本性变化。这在某种程度上改变了创作者与观众之间的关系，也引发了一些值得深思的新问题。如某电影主创曾因作品收到一些网路负评，亲自下场与其论战，一度引起网友围观。另一部电影则因观众负评较多，决定撤档。类似的情况并非个例，影视创作者在意负评，已成为业界重要现象。

　　从实践角度审视，创作与评论是艺术发展的双翼，缺一不可。电影作为受众最为广泛的大众艺术之一，新的媒介环境本应该让创作与评论更好地互动相生，为何反而导致了创作者的「过敏」心态呢？

　　一方面，在当下融合互动的媒介环境中，影视评论的确

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具备了转化为「生产力」的传播效应。影视作品的网路口碑，尤其是在各大社群媒体上形成的评价导向，与电影的票房成绩以及剧集和电视节目的收视数据之间的关系越发紧密。

　　在新媒介环境下，影视作品的存在方式发生了明显变化，花絮、预告片、演员宣传、相关直播，以及观众的打分和评价等周边信息围绕影视作品生成，与影视作品一起，在观众接受视野里形成了一个综合、动态的整体。这使得影响观众观看选择的因素越来越多，由其他观众观看意见综合形成的网络评分，和来自网络红人的代表性评价，会成为观众在文娱消费时的重要参考。对电影而言，网路购票已成为观众购买电影票的主流方式，相关网站上的观众评价与评分，不仅会影响观众对作品的第一印象，还会在某种程度上引导购票行为，直接影响影片的票房表现。对于剧集和电视节目来说，作品在社群媒体上的热门搜话题、口碑走向，也会直接影响作品在目标客群中的触及率。

　　另一方面，以观众评价为主体的影视作品网路口碑，具有主体化、感性化、圈层化等特点，并不能与作品的艺术性和思想性完全对等。有的评论甚至会让观众对作品产生误读。这一现象加剧了网络传播中的“马太效应”，使具备突出特点的作品广泛传播，有些需要耐心咀嚼的精品佳作却可能被埋没。

　　流行于网路的观众评价区别于传统的文艺批评，无需遵循严谨的思想性与艺术性评价标准，往往凭借单点剖析、犀利措辞和共情表达打动其他观众。在这样的评价话语体系中，单一突出的作品更容易让网友分析清楚，也更容易得到青睐。同时，由于新媒体使用者有着明显的分众化结构，不同网站使用者给予的作品评价和评论也有很大差异。例如，探讨热门社会议题、视听表现突出的作品，在短视讯平台就可能获得较好热度与评价。同样的作品，在影迷用户占比较大的专业评分网站，可能就表现平平。在数位媒介环境下，观众获取影视作品更加便利，观影经验也更加丰富。对于有大量阅片经验的成熟观众而言，口碑相较于票房、收视率，是更重要的消费参数。但在现今的影视评论生态中，作品品质和网路口碑往往不完全对等。一个不公允的评分，一种误读都可能对口碑产生巨大影响，并进一步影响作品的传播。

如此推演，很好理

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解影视创作者对网路口碑、评分的敏感，甚至对「负评」的过激反应。创作者需要对影视评论「脱敏」。但更重要的是，我们也要加强影视评论环境治理，在创作者与观众之间建构良性的互动关系，让影视评论真正成为创作的「一面镜子、一剂良药」。例如，透过网路「水军」、行销号的治理，净化网路评论环境，提高创作者对观众评价的信任度。再例如，相关网站平台应改进演算法，对真实有效的观众评价进行筛选与推荐。另外，官方媒体和影视评论专家也应充分发声，对优质作品起到口碑护航、舆论引领的作用。只有多方协力，共同参与到天朗气清的影视评价环境建设中来，媒介融合下的观众反馈机制才能发挥有效作用，创作者与观众之间健康的互动关系才能有所保障，社交媒介时代的影视评论才能传递观众真实心声，对创作发挥积极作用。

　近年来，故事紧凑、冲突强烈、篇幅短小的微短剧成为风靡一时的视听风格。作为串流媒体与短视频时代的典型媒介形态，微短剧依赖媒介平台的流量投放与数据分析，以高频率的冲突、悬念、反转等牢牢抓住观众的注意力。在业界高速扩张的同时，微短剧畅销海外。根据相关数据统计，2024年上半年，出海短剧平台总流水已突破2.3亿美元，预计全年将达4亿美元以上。微短剧的海外传播，成为当下令人瞩目的跨文化传播现象。

　　从译制到自制，探索出海的新路径

　　中国文化如何“走出去”，始终是文化工作者思考的重要议题。近年来，国家相关部门透过一系列举措，积极推动中华文化海外传播。在这一背景下，我国各类视听产品的海外传播取得了较好成效，成为传播中华文化的重要名片。在各类视听产品竞相出海的潮流中，微短剧异军突起。这不仅是因为它暗合了阅读碎片化时代快餐文化的消费需求，讲述世界各国观众都易于接受的“爽”感故事，还和我国网络文学等文艺产品此前在海外的传播范围持续扩大、影响力日益提升相关。网路文学受到海外受众尤其是年轻人的欢迎，为微短剧培育了可观的潜在受众群体和市场土壤，也为微短剧创作提供了可资改编的丰富内容储备。此外，微短剧产业规模迅速扩大，逐渐形成大量制作、投放引流、付费观看的独特市场运作模式，也为微短剧海外拓展打下经济基础。

　　中国微短剧走向海外始于2022年，国内许多公司陆续在海外上线微短剧应用。截至今年6月份，已有100余款微短剧App在海外上线。随着平台出海，中国微短剧内容逐渐进入海外受众视野，受到欢迎。

　　目前出海的中国微短剧主要分为翻译与自制两种形式。译制微短剧，指将国内微短剧进行翻译配音或配字幕后，在海外平台进行传播。这种方式的优点在于前期投入成本较少，只需将作品进行简单的语言处理后上传至海外应用程式或第三方视讯平台。微短剧在各类串流平台上线播出，可以累积一定的前期用户和原始粉丝。国内企业在海外上线的微短剧应用平台在发展初期大多采取此策略，充当国内微短剧的「搬运工」。这一模式的缺点在于，内容未经调整，在其他国家或地区可能会有较大的传播折扣。数据显示，译制微短剧在与中华文化亲缘性较强的东亚地区接受程度较高，而在欧美地区市场接受度

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则比较有限。

　　许多海外微短剧平台走过译剧传播阶段后，纷纷试水自制微短剧。自制微短剧，主要指在海外搭建内容制作团队，吸收国外的编剧、导演、表演等人才，制作符合当地受众收看需求的作品，同时还需要将国内微短剧已经定型的生产、投流与营利模式移植到海外，在题材内容上进行本地化包装。相较于译制，自制微短剧的题材内容与影像风格更贴近海外观众的生活，更易引发他们的情感共鸣，增强受众黏性。但这也意味着更高的资金投入和更长的获利周期，市场风险更大。针对此一情况，自制微短剧又推出了在国内具有异国风情的片场取景，邀请外籍人士参与的新模式。相较于海外拍摄，此模式成本较低，拍摄周期较可控。

　　应以深层的意义表达引发观众的认同感

　　中国微短剧出海已经取得了亮眼成绩，但仍有可以改进的地方和提升的空间。从内容制作角度来看，由于创作资金有限，无论是译制微短剧还是自制微短剧，制作周期都比较短，内容呈现还不够精致，艺术水准还有待提高，而文化差异产生的困扰尤其应下大力气解决。由于不同国家和地区的受众偏好存在较大差异，一些在国内爆火的翻译微短剧在其他国家或地区出现「水土不服」的情况。一些自制微短剧也存在简单移植的问题。这些作品虽然加入了海外受众熟知的生活元素，使用令海外受众感到亲切的演员面孔，但核心仍然是国内微短剧常见的逆袭、复仇、虐恋等故事。深谙当地文化历史、熟悉海外观众美学趣味的创作团队以及具有较高艺术品质和思想内涵的作品还比较稀缺。

　　除了主题与形式同质化，目前出海的微短剧也面临浅层化问题，主要体现在部分故事思想内核的缺失。文化传播是要透过优秀作品传递意义、建构认同，进而给人们以潜移默化的濡染。但目前来看，出海微短剧绝大多数仍停留在冲突的营造、情绪的激发、个体欲望的释放上，缺乏深层的意义表达，难以引发海外观众的认同感。

　　之所以出现这些问题，主要是因为微短剧文化认同独特──它是深度媒介化时代的产物。德国媒介研究学者安德烈亚斯·赫普指出，当下社会已经从媒介化步入深度媒介化的高级阶段，在这个阶段，社会的所有元素都与数位媒体及其基础设施密切相关，演算法、数据和人工智慧对于我们理解社会至关重要。

　　在这媒介环境下诞生的微短剧，其故事叙述本身受制于媒介技术与数位平台。例如，目前出海的微短剧大多透过独立的App来运作。制片方透过海外社群媒体管道投放广告，引导用户下载。这虽然与国内微短剧依赖影片网站、短影片平台或小程式运作的模式不同，但都是遵循流量逻辑，以投流来制造爆款、获得收益。在利益驱使下，部分从业者将微短剧作品视为“金融产品”，大幅度压缩制作成本，而将更多资金用于投流。那些

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看起来在国外平台上数据亮眼的微短剧，到底有没有实现真正意义的文化传播、有没有被当地观众真正看到并引发情感共鸣，难以精确统计。真正的成效往往被表面的流量所遮蔽，这可能是深度媒介化时代的跨文化传播难题。

　　在差异化生产中诠释中国、情动世界

　　随着产业链的逐渐完善，更多制片方、平台方进入市场，接下来我们需要在讲好中国故事、传播好中国文化上继续发力。

　　从内容层面而言，创作者应看到不同国家和地区市场需求的差异。放眼当下微短剧排行热榜，各国观众对不同题材及类型情有独钟。例如，在欧美市场，富有超自然元素的类型以及与英雄主义、个人奋斗相关的题材，能提供紧张刺激的观看体验，满足人们对神秘未知世界的探索和想像，更容易获得当地观众的喜爱。东南亚的观众则更关注家庭情感，展现家庭成员之间复杂关系和情感纠葛的家庭伦理题材容易触及他们的情感共鸣点。制作团队应深入了解特定区域的社会文化，并充分考虑不同国家的文化特性，尤其是历史传统、社会规范、观念体系、思考方式、美感习惯等方面的特殊性，进行差异化生产。例如，《天涯

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小娘惹》在新加坡拍摄、由新加坡演员参演。该剧透过娘惹天涯与新加坡华人后代阿洪共同寻找一个老物件的过程，串联起母亲将做娘惹菜的手艺传给儿子、孙辈帮爷爷寻找当年的恋人等家庭情感故事。该剧在海外影音平台上线后，引发了东南亚观众的情感共鸣。

　　在因地制宜，了解不同国家受众的观赏需求的同时，出海的微短剧也要在海外受众千差万别的“接受偏好”中取其“最大公约数”，有意识地书写能体现全人类共同价值的主题。例如，在新加坡掀起追剧热潮的《一梦枕星河》虽然展现的是中国的苏扇技艺、古城保护，实际上探讨的却是全世界共同面临的传承发展话题。在新加坡、马来西亚等国家和地区上线的《有种味道叫清溪》以爱情和友谊的视角切入，探讨如何实现人生价值这个每个人都会思考的人生课题。这些作品既生动诠释了爱国、敬业、诚信、友善、和谐等中国文化的核心价值理念，又能让其他国家的观众产生心理认同，让他们感受自信自立、胸怀天下、开放包容的中国形象，从内心理解和亲近中华文明。

　　当然，跨文化传播难免会遇到文化障碍。这就要求创作者进一步开掘微短剧在情绪调动上的优势与潜能，以真诚的情感故事增强国际社会对中国文化的理解与认同。诠释中国、情动世界，应该是微短剧海外传播力图实现的目标。

近年来，一些被称为「迷你剧」的短集数剧集开始显露其「小而美」的独特魅力：从2020年的《我是余欢水》《隐密的角落》，到2023年的《漫长的季节》《平原上的摩西》，再到今年的《我的阿勒泰》《新生》，都是既有收视剧又有观众口的精品剧。数据显示，2024年上半年短集数精品剧数量占比显著提升，12集以下的剧集占比超10%，较同期占比翻倍。这表明，迷你剧作为影视产业的新宠，开始步入规模化发展阶段。

　　何为迷你影集？它指的是一种在较短的集数内讲述一个完整故事的连续剧形态，其集数通常在3-12集左右。这个概念有时会与微短剧混淆，其实二者的区别很明显：微短剧的单集时长从几十秒到15分钟左右，又分为横屏微短剧和竖屏微短剧；

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而迷你剧的单集时长虽然不固定，但一般在40至70分钟之间，更接近传统电视剧的形态。

　　迷你剧并不是新事物。事实上，国产电视连续剧就是从迷你剧型态起步的，只是当时还没有迷你影集的概念。二十世纪八、九十年代，受制于当时摄制技术与成本的限制，《敌营十八年》（9集）《武松》（8集）《围城》（10集）《过把瘾》（8集）等作品涌现出来。不过，迷你剧并未成为国产剧集的主流型态。随着电视剧制播模式的市场化，长剧集因为更长的播放时间和更多的广告位显示出更大的商业价值，逐渐挤占了迷你剧的生存空间，尤其是在主要依靠广告收入的传统电视剧时代，迷你剧一度消失。直到影片网站兴起，剧集市场的容量大大增加，并出现了付费观看、会员制等多种营利模式，剧集的商业价值与集数不再直接挂钩，从而释放出适合各种剧集形态并存的更大生存空间，为迷你剧重现“江湖”创造了条件。

　　除了媒体格局的变化，国产迷你剧再次风行，也受到世界影集产业发展的影响。迷你影集这个概念引进中国，得益于2010年英国迷你影集《神探夏洛克》风靡全球。从那时开始，中国剧集创作者逐渐发现迷你剧这一剧集形态潜藏的市场潜力，并对国际先进的生产模式和创作理念进行借鉴应用。英国深厚的文学资源和独特的人文气质，赋予迷你剧鲜明的文化特色；且英国部分电视台不用插播广告，使迷你剧不必进行模式化的叙事安排，如插播广告之前要设置一个小悬念，甚至可以打破栏目化播出对单集固定时长的要求，如《神探夏洛克》的单集时长达到了90分钟，最终拥有更大的拳击产品。在世界剧集产业，迷你剧也可以与「高品质」画等号。在70年代，美国广播电视网络从英国引进迷你剧这种形态，走的也是文学名著或畅销书改编的路线，如总长为12小时、分八晚播出的《根》，吸引了大量观众。进入新世纪，串流平台接棒成为迷你影集的制作主力，让迷你影集呈现更多的类型风格。

　　当然，网剧的兴起、世界其他国家的成功范例只是国产迷你影集再次崛起的外因，而内因则在于迷你影集的独特定位。对传统影视产业来说，迷你剧兼具电影与长剧集之长：相较于长剧集，迷你剧集数较少，整体篇幅不大，可以借鉴电影的某些表现手法拍摄，使视听语言富有电影质感；相较于电影，迷你剧有更大的篇幅能讲述更加复杂完整的故事，展开对生活和人性的细致铺陈。对剧集行业来说，迷你剧填补了微短剧与长剧集之间的类型空白，也规避了微短剧与长剧集的不足：比起主要为打发碎片化时间而走“短平快”生产路线的微短剧，迷你剧投资更大，制作更精良；它又不像长紧张也正是这种独特的「中篇叙事」定位，让迷你影集实现差异化竞争，在影视市场中拥有不可取代的一席之地。

　　迷你剧的中等体量，特别适合艺术方面的创新与实验，所以吸引了不少有艺术追求的导演的目光。去年的爆款迷你影集《漫长的季节》就是一个典型例子。作为一部悬疑类型剧，它十分大胆地打破了线性叙事时序，在1997年、1998年和2016年

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三个时间段之间来回跳切，挑战观众的理解力。但随着情节慢慢展开，一个犯罪悬疑故事逐渐转变为时代剧变对个体命运的影响以及个体自我救赎的故事。非线性叙事也超越「炫技」的层面，转变为揭示时代与个体之关联的适当表现手段，成为这部影集的艺术特色之一。还有《我的阿勒泰》尝试将散文集改编成剧集，用李文秀这个人物为线索，串起了原著中松散连不成线、缺乏戏剧张力的散文化碎片，也为迷你剧通常改编自中长篇小说的行业成规增添了一个「非典型案例」。

　　《我的阿勒泰》也打破了将国产迷你剧与悬疑类型画等号的刻板印象。一段时间里，迷你影集几乎都是悬疑题材。以近年网络视听平台悬疑主题剧场推出的剧集为例，爱奇艺迷雾剧场迄今上线的作品中有一半以上是迷你剧；腾讯X剧场4部剧集中有3部迷你剧。这就难免让业界和受众形成迷你剧只擅长悬疑类型的错觉。虽然迷你剧的中等体量和紧凑叙事确实很适合悬疑类型，但迷你剧的创作者不能画地为牢，将自己限制在悬疑的小圈子。反观世界其他国家的迷你剧，题材类型涉及爱情、个人成长、家族史、重大社会事件、战争等。从这个角度来看，国产迷你剧的题材与类型过于单一，借着《我的阿勒泰》热播的东风，创作者应在取材视野与类型尝试上进一步拓宽。

　　总之，观众的需求是多元的，他们需要不同类型、篇幅的剧集在不同观看场景中获得不同的情绪价值。创作者应大胆进行主题拓展、类型探索、叙事创新、视听精致化等尝试，强化观众的观剧习惯，探索更多样化、更合适的商业模式，这样才能推动国产迷你剧从分得剧集市场的一席之地向可持续发展的创新高地迈进。