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《龙行龘龘》《大话大话西游》《春风不改旧时波》《欢喜一家人》《吉祥任务》《多点事儿》…日前，国家广播电视总局发布「微短剧陪你过大年」2025年微短剧春节档推荐片单，包括电视大银幕端和网路平台两个系列。从乡村剧、都会剧、喜剧到悬疑剧，相信总有一款微短剧能打动萤幕前的你。

　　近年来，微短剧的热度有目共睹。数

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据显示，截至2023年12月，我国网路视听用户规模已达10.74亿，占网民使用率的98.3%，其中经常观看微短剧的达39.9%。据测算，2023年国内微短剧市场规模已达373.9亿元，2024年数据估计达500亿元。微短剧门槛低、周期短、易传播的特性，也鼓励更多人加入创作者的行列，为微短剧市场的火爆提供了充足的供给支撑。

　　事物从出现到发展再到成熟，都要经历一个「去粗存精」的过程。伴随着微短剧的井喷，也出现了内容同质化、剧情低俗化、观念极端化等不良现象。在一些微短剧中，爽文剧情屡见不鲜，博眼球的离奇桥段令人眼花……这都是微短剧制作需要注意和改进的面向。如何推动微短剧在价值建立、人物刻画、剧情衔接、演技表达等方面持续加强，在拍摄水平与艺术格调上不断提升，坚持走精品化道路，已成为微短剧行业行稳致远的关键。

　　过去一年，多地已进行了许多有益尝试。例如，广东从加强调研交流，优化行政审批流程，完善奖励扶持机制等方面多管齐下；上海发布《关于上海促进微短剧产业发展的若干措施（试行）》，推动微短剧全产业链经济发展；湖南建成涵盖微短剧剧本创作、拍摄制作、后期运维和版权保护等全链条生产要素的综合性服务平台…今年，国家广播电视总局也将组织实施「微短剧+」行动计划，在细分领域推出300部左右具有引领作用和创新价值的重点微短剧，为观众提供更高品质的新型文化产品。

　　文艺创作方法很多，

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但最根本、最关键、最牢靠的，还是扎根人民、生根生活。微短剧要进一步服务人民群众的精神文化需求，最重要的就是深深根植于社会生活实践，如此方能结出滋润心灵的果实。目前，不少微短剧已向着更具现实关怀的方向不断迈进。有的立足亲密关系，从更细腻的角度剖析情感议题、品味人生喜乐；有的放眼乡村，展现一代代人努力奋斗、反哺家乡的深切情怀；有的聚焦职场，讲述年轻人的拼搏与梦想……当创作者真心体验、用心共情，当微短剧真诚生活，相信它一定能拥有直抵人心的力量。

近年来，影集领域「悬疑风」劲吹，悬疑影集中涌现，创作也不断求新求变。几乎每播出一部作品，都会在社会舆论中形成热点。人们在探讨剧情发展之余，也注意到悬疑剧创作存在的一些问题。有的观众认为悬疑剧老在“情理之外”，一味铺陈高能剧

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质发展的两大症结，应引起业界关注。

　　悬疑剧创作的一大症结是真实性不足。随着影片网站推出迷雾剧场、X剧场、白夜剧场等专门播出悬疑剧的剧场，悬疑剧的主要播出平台逐渐从电视台转向网路。有别于电视台播出的悬疑剧，以网路为主要播出平台的悬疑剧需要考虑网生代观众的美学需求，追求奇特的美学，热衷于新奇的情节。例如，《边水往事》建构充满异国风情的虚构世界——三边坡，让主角在鱼龙混杂的战乱地带，给「秘密集团」运送生活物资。 《在劫难逃》架构时间循环模式，让主角张海峰不断陷入梦境，却始终无法改变妻女离世的宿命。创作者除了架构“时空游戏”，打破单项的线性时空形态，以易变的时空架构多重悬念，还在设置人物关系上跳出常规思路。例如，《白夜破晓》中关宏峰和关宏宇既是双胞胎兄弟的亲情关系，也是警察与嫌犯的对立关系；《八角亭迷雾》里念玫和去世的姑姑玄珍长得一模一样，而念玫的遭遇又牵扯出多年前玄珍遇害的真相。这些奇观化的故事情境、非常规的人物关系、剧烈的戏剧冲突，主要由巧合、意外等元素构成。虽然满足人们的猎奇欲望，却让实现剧情的合理性、逻辑的严谨性、现实的贴近性加大了难度，很多内容与社会和人心有“隔”，成为飘荡在时代边缘和角落里的“远方风景”。

　　悬疑剧另一大症结是戏剧性不足。有的悬疑剧早早将谜底告知观众，只让剧中主角「疑」而不让观众「疑」。例如，《黑白森林》设置青年刑警文彬彬配枪丢失的悬念，之后很快就交代了配枪的去向，使故事戏剧张力有所减弱。有的悬疑剧改编自小说、报导文学等，观众已经知道故事的来龙去脉和案件的谜底，自然对作品的戏剧性呈现提出更高要求。然而，这些作品要么刻板地照搬原著，要么毫无章法地魔改，导致口碑高开低走。例如，电影版和电视剧版《三大队》皆根据深蓝的作品《请转告局长，三大队任务完成》改编，并在同一时期上映播出。如果说电影版把三大队故事浓墨重彩地介绍给大众，那么观众对剧版的期待便是利用篇幅优势，将原作和影版的未竟之言，即主人公程兵万里追凶路上热血又悲怆的经历合理而又艺术化地呈现出来。可惜的是，剧版《三大队》穿插与案件无关的情感戏码，反而削弱了人物的悲壮之美。还有的悬疑剧忽略电影化思维与网路媒介特征有差异等问题，大量使用慢动作、空镜头等叙事技巧，采用意识流的叙事方式，铺陈不必要的细节，导致节奏拖沓、情节冗长。凡此种种，都使悬疑剧离「悬疑」越来越远。

　　要解决悬疑剧这两大

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症结，创作者应遵循该类型特有的创作规律，在戏剧性与真实性之间寻找平衡点，达到「意料之外，情理之中」的美学效果。一方面，悬疑剧需积极营造「意料之外」的戏剧性。观众选择悬疑剧的初衷是追求高智商剧情的烧脑感、紧张惊险故事的刺激感，因而铺垫悬念和疑窦仍是悬疑剧最核心的内容魅力。创作者可以依赖情境、动作等戏剧性元素来帮助悬念和疑窦的铺垫。拿情境为例，可拉长时间跨度，围绕着数年前的种种事件架构起历时性情境，让观众从中窥见法治生态、社会结构的变迁。例如，《漫长的季节》建构起跨越近20年的叙事结构，引导观众检视时代变迁为人们生活带来的巨大改变。创作者还可以将日常空间陌生化，拓展观众的认知边界。例如，《摩天大楼》利用镜头的仰拍、旋转，将摩天大楼变成了一个充满悬疑感的空间。或逼仄或开阔的空间强化了剧中戏剧的冲突，带给观众强烈的心理刺激。此外，创作者应注重原创。改编固然是悬疑剧创作的重要方式，但悬疑剧还是应以原创为主，从策划、制作等各环节都拿出创新的态度、创造的勇气，创造让人耳目一新的故事，这才是悬疑剧始终保持创作活力的根本。

　　另一方面，悬疑剧不能忽视「情理之中」的真实性。悬疑剧具有一定的假定性，但不论故事如何离奇、烧脑，冲突与悬念的展开依然要符合事物发生发展的基本逻辑与本质规律。前面挖的“坑”后面应一一“填上”，情节反转需合乎逻辑且与主题密切联系。还有人物塑造、场景呈现、话题设定等，应让观众在沉浸式观剧之余联想到自身的现实生活，进而引发对现实问题的思考。例如，《对决》表现了原生家庭对个人成长的影响，《江照黎明》探讨女性在婚姻家庭中面临的现实困境，《我是刑警》真实还原刑警的办案日常，以及刑侦技术的快速发展和刑侦理念的日新月异。

　　当前观众对悬疑剧的观看热情高涨。创作者应秉持写实创作理念，从营造猎奇性向寻求真实性转变，从聚焦个体悲欢向观照社会现实转变，力求达到典型情境真实、情感共振真实和深度认知真实三重真实的统一。

「剧本荒」是长期困扰戏剧界的老问题。要真抓实干，久久为功，大力培养青年编剧人才，这样才能从根本上解决「剧本荒」。

　　剧本为一剧之本，戏剧文学是戏剧作品的灵魂。然而当下，戏剧文学的重要性仍没有得到足够重视，「剧本荒」依然是困扰戏剧界的老问题。首先需要说明的是，所谓“剧本荒”，准确地说应该是“好剧本荒”。戏剧界不缺平庸之作，缺的是好剧本。这是因为，在所有文艺创作中，剧本创作的难度相对较大，需要剧作家有较高的专业素养、深厚的文化底蕴和文学功力。相较于影视业，戏剧业的吸引力下降。影视产业凭借着广泛的受众基础、高额的投资回报以及明星效应等因素，吸引了更多编剧投身其中。相较之下，戏剧产业的受众相对有限，投资回报也相对较低，这使得能够真正扎根戏剧产业的编剧有限，能创作出精品佳作者更是少之又少。编剧数量少，自然导致剧本总量少；编剧才情平庸，自然也就创作不出高品质的剧本。

　　中国剧协向重视剧本创作与剧作家的成长，十几年前曾召开三次“全国剧本创作和剧作家现状信息交流会”，广泛搜集、整理相关资料，并于2014年出版《中国剧本创作白皮书》。 2024年中国剧协再次展开调查，根据初步统计，十年间全国剧作家共创

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作大型剧本逾6000部，其中超过一半被搬上舞台。十年来，戏剧文学创作不乏精品力作；政府扶持力度持续加大，各级艺术基金资助引领创作风向；文旅融合趋势加强，沉浸式戏剧创作逐渐成为风尚；江苏、福建等区域性新生代剧作家群渐趋形成，展现出戏剧文学创作的可喜局面。然而令人担忧的是：在创作方面，题材重复率高，同质化现像明显；创作手法、美学风格较为单一；创作与市场脱节、与观众需求不匹配的现象仍然存在。剧作家总量下降，各地区、各院团差异较大，地域分布不平衡，在新老交替的过程中，偶有一枝独秀，缺乏百花齐放；不少地区，尤其是经济欠发达地区，编剧人才匮乏，梯队建设青黄不接的现象依然存在；一些院团多借助外聘编剧、外援力量来完成创作任务，某些名编剧分身乏术，忙得“满天飞”，而普通本地编剧却难有创作机会；青年编剧的培养方式仍较为单一，缺乏剧目扶持、孵化平台，青年编剧的剧本上演难等问题突出。

　　可见，目前剧本创作和剧作家的现状可谓喜忧参半。针对存在的问题，我认为，首先，院团要摒弃“不养编剧”的错误思想，无数事实证明，不是剧团“养编剧”，而是编剧在“养剧团”，一位好编剧，就意味着一大批优秀剧目，甚至塑造着一个院团的演剧风格。各地应在全国创作版图中找准自身定位，探索适合自身的创作发展道路。戏剧创作并非只有一条路、一种风格，要坚持「百花齐放、百家争鸣」的方针，鼓励艺术多样性，尊重艺术个性。特别是戏剧创作薄弱地区要扬长避短，不宜一味追求大题材、进行大投入，外聘名编剧，这看似能带来一时的风光，但长此以往，本土编剧将永远没有实践机会，人才断层问题会愈发严重。事实上，新戏和老戏、大戏和中小戏都不可或缺，都有其重要意义。创作大戏要科学立项，注重社会效益和经济效益，提倡“十年磨一戏”，避免将剧目做成“残次品”，上演几场后就被束之高阁。同时，为了磨练、培养地方剧种创作人才，更要加强传统剧目、折子戏的整理改编工作，加强接地气的小戏小品创作。应建立本土编剧人才储备库，同时搭建编剧与市场、院团之间的合作桥梁，探索、借镜各方经验做法，改善创作环境，为地方戏剧创作注入源源不绝的动力。

　　其次，要给予青年编剧更多机会和舞台，加大对青年戏剧创作者的扶持力道。当下，各级政府的文化艺术基金、行业组织和高等院校为青年编剧人才的培养出台了各类措施，举办了各类培训班、研修班、改稿班，但

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总体而言，对青年编剧人才的培养方式仍较为单一，缺少为青年编剧的创作提供上升空间以及让剧作最终能够登上舞台的机会。在各项指标压力下，许多专业剧团对编剧的选择非常慎重，一般倾向选择成熟、知名的剧作家。而青年编剧如果长期没有实践的平台，必然会消磨其创作热情，不利于他们的成长，最终也会影响戏剧创作的整体环境。我们应发动一切有效力量，采用联合培养、多管道培养和一对一培养等多种方式，建立青年编剧作品孵化平台和有效机制，积极与市场接轨，为他们提供作品打磨、提高及上演的机会。在此，我也呼吁，能力是在不断的锻炼、磨砺中成长起来的，我们所有人都经历过青年时期，要多给青年编剧一些机会，充分发挥他们朝气蓬勃、敢于创新的优势，这些怀抱梦想的年轻人一定能为戏剧舞台贡献更多精彩纷呈的优秀作品。

　　最后，要保护剧作家的个性与尊严，建构风清气正的戏剧生态。对于主旋律戏剧创作，我们需要以开放的态度来理解。凡是体现真善美、鞭挞假恶丑，体现社会主义核心价值的作品，不论何种题材、何种戏剧样式，都属于主旋律作品。要尊重剧作家的个性选择与艺术探索，给予他们更大的创作空间，为剧目创作留足打磨、精进的时间。要维护戏剧文学的尊严，维护剧作家的尊严，在剧目创排过程以及后续宣传中，给予剧作家足够的尊重。要严守著作权法，打击各类侵权行为，建构风清气正的戏剧生态。

眼下热映的《哪吒之魔童闹海》（以下简称《哪吒2》）中，哪吒与敖丙的友情羁绊以及两人抗争命运的故事，引发了广泛的关注和讨论。片中精心雕琢的故事情节、视觉符号及音乐元素，既展现了东方美学的独特魅力，又符合国际观众的审美习惯，是讲述中国故事、传播中国声音的一次有效尝试。

　　《哪吒2》何以实现票房口碑双高？一个重要原因是，影片既保持了精良的制作水准和艺术追求，又透过成熟的营运和市场化运作，创造了可观的经济效益。影片中对中国传统文化元素的创新诠释与表达，实际增强其艺术性，大大提升了文化的感染力。制作团队在不放弃艺术追求的同时，深入研究市场需求和观众偏好，在故事编排、角色设计、场景建构等方面都体现了对市场的精准把握。同时，影片创新探索衍生性商品开发、主题乐园合作等多元化商业模式，延长了产业链条，提升了文化影响力。这种将艺术价值与商业价值有机结合的做法，为中国动画电影产业的永续发展提供了有益借鉴。

　　其实，从1960年代的《大闹天宫》到现

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今的「哪吒」系列，中国动画电影一直在探索讲述中国故事的最佳方式。无论是《大闹天宫》对传统神话的现代演绎，或是《小蝌蚪找妈妈》对水墨动画的大胆尝试，抑或是《宝莲灯》对亲情与勇气的深刻剖析，再到《大圣归来》对经典IP的现代诠释，以及《大鱼海棠》中丰富的民俗元素和深邃的哲学思考，都彰显了优秀文化的重要文化。正是这些代代传承的精神与接续努力，让中华优秀传统文化在现代社会持续焕发无限生机活力。

　　《哪吒2》承续了这个优良传统，更让人惊喜的是，它充分利用了数位时代的技术与理念新优势进行创新诠释，在坚守文化传统、守护文化根脉的同时，赋予中华优秀传统文化新的时代内涵和表达形式。 《哪吒2》的成功也启示我们，文化产业发展既要扎根传统，又要面向现代；既要保持文化自信，又要具备国际视野。

　　不断被刷新的票房以及持续升温的讨论背后，是人们对更多好电影的期待和呼唤。能经得起时间和观众检验的好电影，一定是既对中华优秀传统文化的精神内核进行了深度挖掘和精准提炼，又善于运用现代科技和艺术手法进行创新表达；既立足本土，又放眼世界，用国际化的语言讲述中国故事。如此，就不难实现艺术价值与商业价值的双赢，实现文化传播与产业发展的良性互动。也只有在此基础上，才能推动中国文化产业高品质发展，不断提升中华优秀传统文化的国际影响力与竞争力，为增强国家文化软实力注入更多动能，向世界更好呈现真实、立体、全面的中国。

　　《哪吒2》的成功，为中国动画电影乃至整个文化产业的发展提供了有益借鉴，极大提振了广大电影从业者的信心。我们笃信，坚定文化自信，勇于创新创造，善于运用现代科技和艺术手法，在传承中创新，在创新中

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发展，必能创作出更多无愧于时代的优秀作品，让中华文化在世界舞台上绽放更加绚丽的光彩。

　　我们也要清醒地体认到，文化创新是一个长期的过程，需要持续投入与累积。 《哪吒2》的成功经验当然要总结与推广，但更重要的是，在此基础上继续探索、不断突破，增加政策扶持、推动市场培育多方协同，让中国文化产业实现跨越式发展。

　近日，关于春节档的各种话题讨论居高不下。尤其是春节档上映的6部新作均为系列电影，这一现象让中国电影「将IP进行到底」的产业意识与创作模式又一次闯入人们的视野。相较于其他形式的影片，IP电影具备哪些市场优势？其依赖的系列电影在形式与内容上如何贴近当下观众的日常美感？如何让IP创作助力中国电影的高品质发展？这些问题值得思考。

　　本意为「智慧财产权」的IP，在当下早已越出了原有的内涵边界。在与电影艺术同构的过程中，其外延更显现为「具有商业价值和市场潜力的创意、故事、角色和品牌」。作为电影工业高度整合与文化深度拓展的必然产物，IP在安全、可靠和高回报的基本运作流程中推动了制片的标准化、文本的商业化、单片的体系化，由此衍生出稳定、成熟、可期待的系列电影。近年来，许多中国电影IP在圈定观影群体和提振票房号召力的同时，以系列化的创作模式持续产出优秀作品。例如春节档，不论是已然摘得世界动画电影票房桂冠的《哪吒之魔童闹海》、延续「唐探」影集「悬疑+喜剧」风格的《唐探1900》、期冀打造中国神话史诗的《

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封神第二部：战火西岐》，还是深耕「合家」成就中国神话创作的《封神第二部》创新的《红海行动》之续作《蛟龙行动》、由中国人耳熟能详的武侠小说改编的《射雕英雄传：侠之大者》，它们都囊括在以续集、三部曲、重拍片、前传等为基本类属的系列电影范式内，并在IP的统合下提升投资力度、延展艺术形式、回应观众。这些作品集中涌现，一扫去年中后期市场的低沉局面，让「看电影」再次进入大众的日常生活空间，让中国电影翻开了新一页。在中国电影问鼎全球单一电影市场榜首之时，其内在的结构性变化和历史性趋势更需引人关注。

　　事实上，春节档的票房表现恰如中国电影产业变革与美学突破的时代征候。 IP运作下的系列电影能否在实操技术上取得突破，不仅检验着具体创作中想像力的达成，也是衡量其工业创新能力的重要指标。当《哪吒之魔童闹海》采用超大量动态粒子特效描摹海天奇观，《蛟龙行动》为推演深海作战，1∶1打造潜艇置景时，无论票房收益是否理想，这些IP电影在工业技术上的集成创新已经消弭了国产影片长久以来落后于世界先进水平的历史焦虑。身为观众，人们在享受系列电影科技突围带来的视听体验时，也于技术结构性变革的真切体验中感受了文化创新的魅力。

　　当然，这些IP作品在票房成绩上出现分化，之所以如此，主要在于技术结构性变革之后的深度叙事能力，即内容生产是否触及社会心理的活跃内核、美学文化能否具备承载观众情绪的基本能力。 《哪吒之魔童闹海》重构古典文学中哪吒的反抗性固然重要，但更重要的是，作品建构了「有缺点」的少年英雄形象，他不屈服于命运、不遵从于世俗，敢于挑战旧有秩序和既定规则，在偏见和歧视中收获成长。这种源自灵魂深处的价值探索击中了观影者的存在焦虑，激起人们与命运抗争的勇气，也让传统文化理念有了当代性认同。 《唐探1900》把探案故事放置在19世纪中后期华工赴美修建中央太平洋铁路、八国联军入侵北京等历史背景下展开，尝试在异国建构与他者更平等的对话关系，从而激发观众的家国情怀和文化自信。正是这些中国内容与中国表达珠联璧合的IP，引发观众的情感共鸣与心灵共振，推动国产系列电影快速发展，凸显中国电影创造民族形式、建构东方美学的发展趋势。

　　但在另一层面，作为双面刃的IP，其于电影商业通道和艺术创构上亦有缺陷。囿于投资的规模化、创作的完成度以及未来收益的不可控性，制片方在权衡利弊的考量中更倾向于择取、运作被市场反复检验的成熟IP，长此以往必然会让其产生路径依赖，整体电影形态也将趋于谨慎、保守。当观众逐渐适应了三部曲式的IP观影模式后，大制作系列电影持续性扩张领地之时，中小成本影片的生存空间势必会受到挤压，这意味着创新作品的减少。真到那时，要扭转单一维度的电影产业态势，非朝夕之力可破。

　　从域外影像艺术的历史

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与实践来看，作为IP试验的策源地和系列电影的汇集区，好莱坞自新世纪以来持续深耕IP电影，并将《星际大战》《哈利波特》《魔戒》等系列电影推向视听极致。但在一段时间里，美国电影市场年度票房纵有提升，却始终维持在110亿美元左右，作为单一市场整体收益已基本见顶，可见其扩张性投入与紧缩性收益之间形成的边际效应愈加明显，依靠IP拓展系列化产品已无法有效提振疲软的大众需求。

　　由此再来审视春节档，系列电影作品全面铺开，进入戏院的观众几乎不会把关注目光投向其他形式的影片。而在这些IP作品内部，《封神第二部：战火西岐》《蛰龙行动》《射雕英雄传：侠之大者》等虽有创作缺憾和艺术瑕疵，但对比同类作品，也未必不是可圈可点之作，《熊出没·重启未来》尽管质量仍维持稳定的票房水平，面对优势相较低的票房竞争影片中仍保持较真实的票房竞争。而这些都应当是「言必及IP、论当属系列」的电影业态在短暂狂飙突进后应引人忧思之处。

　　当下中国电影正在依托工业上的突破进行一场醒目的美学革命，如何在技术结构性变革的同时提高内容生产的能力，将是其顺应历史性趋势的关键。在产业伦理与技术进步的加持下，以IP作为延展电影工业形态的拓路者，让系列电影成为检验基本市场容量的试金石，在从中华优秀传统文化中探胜求宝的同时，注重对科幻等更多题材的开拓，注重现代意识的融入、当下审美的共情和多样化文化的体认的 

　在数位媒介重建文化记忆的当下，以《哪吒之魔童闹海》（以下简称《哪吒2》）为代表的中国动画电影新势力大放异彩。动画中哪吒形象从1979年《哪吒闹海》到当代的演进与重生，折射出传统文化传播方式在媒介融合时代的创新。时下，动画电影以其综合艺术形式的先天优势，打破了传统文化传播的时空壁垒。

　　当沉睡千年的三星堆青铜器在《哪吒2》的银幕上苏醒，青铜纹路化作结界兽闪耀的皮肤，考古密码被点化为会呼吸的文明使者。辛勤的动画工作者用动画特效让静默的文物在光影中重获新生。古器新生的背后，反映着博物考古‌与电影银幕之间的媒介碰撞。这不是简单的文物再现，而是以高科技数字视听重燃中华文明的火种。

　　‌社交短影片虽然透过演算法推送形成

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了文化传播的优势，但其碎片化特性难以承载完整的故事情节。游戏能与使用者互动，但其任务导向机制往往会消解文化内涵的完整性。相较之下，动画电影《长安三万里》却以光影为墨，把李白诗句变成能触摸的山水——观众跟着高适策马三小时，从黄鹤楼檐角的铜铃到塞外雪原的旌旗，盛唐气像在银幕消费的视野中徐徐舒展。这种深度沉浸带来的文化认同，超越了绘本的线性阅读和手机直播的即时互动，形成耐人寻味的持久性文化记忆。

　　海外电影观众竟然也喜欢《哪吒2》！川剧锣鼓撞上好莱坞式的剪辑节奏，迸发出跨文化共鸣的璀璨火花，让海外观众无需字幕，就能在栩栩如生的动画狂潮里读懂东方美学。动画电影将地方性文化元素转化为全球青年都能接受的案例，而三星堆文物的数位重建就是这种文化转化的典型实践。光影无国界，动画的视听重组超越了史诗翻译的隔阂，像电影里的青铜神树在云端舒展，数位特效让传统文化有了时代感，让全球观众在视觉冲击中领悟中国符号。

　　当前动画电影的技术革新正在重塑传统文化传播的方式。虚拟制作技术对《哪吒2》中陈塘关神话建筑群的数位重建，不仅复原了唐代建筑形制，更透过动态光影变化再现了「晨钟暮鼓」的美。这种文化呈现，超越了绘画的二维表达，也区别于VR技术——在虚实相生中多角度复现传统神韵。数位科技不是传统文化的解构者，而是其新型记忆装置。

　　如何在社群口碑与演算法推

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荐的流量逻辑中保持文化的完整性？如何在跨媒介改编的产业实践中维系文化基因的纯粹性？短视频时代的动画电影自有生存之道——在技术赋能与文化自觉之间建构动态平衡。当短影片推荐不断切割观众的注意力时，我们可尝试透过模组化故事单元与沉浸式体验结合，既适配短影片平台的传播规律，又在长片结构中保留完整的故事情节。跨媒介改编中，可建立数位文化基因资料库，透过三维建模保存传统纹样的向量资料。透过区块链给每个文化符号发“电子身份证”，使青花瓷纹样在二次创作时既保持基因纯正，又能在演算法推荐中获得新生命。 ‌这既让传统文化乘上技术快车，又守住艺术创作的灵魂火种‌。

　　动画电影恰似传统文化在数位洪流中的破茧重生，这种更迭不是简单的媒介文化迁移，而是透过数位科技重建文化DNA的编码方式。 《哪吒2》后，在可预见的未来，动画电影将持续扮演东方文化的现代化转型先锋。

　　近年来，手机垂直萤幕播放模式日益流行。不仅短视频、微短剧、网路直播多采用竖屏呈现，连电视节目也可以竖着看，央视连续多年推出「竖屏看春晚」；电影也拉开了竖屏的帷幕，《烟火人间》成为全球首部基于用户生产内容（UGC）竖屏短视频创作的大银幕电影。然而，横屏播放模式依旧是「专业」的代名词。如今，短影片草根创作者为彰显其专业性，最先能想到的方法便是让萤幕由垂直转横。在抖音和快手上，横屏呈现的微短剧数量明显增多；爱奇艺和腾讯推出的微短剧，绝大多数采用横屏播放。连网路直播领域也开通了横屏功能‌。那么，垂直屏还是横屏，手机播放模式究竟该如何选择呢？

　　这题涉及画幅比的选择。向前追溯，从绘画到摄影，视觉文本最初并未设定画幅的标准比值，一切从内容创作的需要出发。从电影到电视，画幅比选择有了艺术与科技的双重标准，除了要考虑创作需求外，还要兼顾讯息传递的可能性。一方面，19世纪的绘画与西方戏剧舞台的展示形式深刻影响了影视的内容创作；另一方面，胶片、磁带的画幅比要与播放设备相匹配。因此，好莱坞于1932年制定1.37∶1的“学院比例”，将横屏播放列

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为行业标准，并沿用至今。而基于手机端呈现的网路视听节目新样态，其画幅比选择却在艺术与科技的双重标准间产生了冲突。一方面，手机横屏播放模式选择精品至上的艺术标准。如今，人们习惯视觉文字横屏呈现，使得「横屏即艺术，垂直萤幕非专业」的观点相当流行。而网路视听节目新样态大多为使用者生产内容，似乎与生俱来贴有「非专业」的标签。倘若此类作品采用横屏模式，无形中能消解「非专业」的刻板印象。另一方面，手机垂直萤幕播放模式则遵循流量至上的技术标准。当使用者单手持握手机，垂直萤幕可确保更大的萤幕呈现比，获得更多注意力资源，自然更有利于吸引流量。当然，横屏同样可以占据最大的萤幕呈现比。但问题在于这需要用户翻转手机来实现，而在行动装置上观看时，人们通常希望体验是简捷的、无缝的。

　　正如电影大师爱森斯坦认为仅将电影与横屏关联会形成“被动的水平主义束缚”，手机播放模式同样不能限制艺术想像。网路时代，行动装置视觉文字萤幕呈现明显更符合使用者的使用习惯，手机播放模式选择垂直萤幕同样可以成为一种新颖的、可能影响深远的艺术趋势。这需要研究传统视觉美学的变化，并关注全新移动美学的形成，以建立艺术与技术统一的垂直屏美学范式。

　　探讨传统视觉美学之变，实则是关注垂直萤幕的聚焦之美。从构图上看，竖屏适合表现狭长物体与纵向空间，极易形成中心对焦。首先，垂直萤幕与人的体型相符，在表现人物时会因聚焦而拉近角色与观众间的心理距离。当全景构图时，垂直萤幕不会忽略人物下半身的细节，从而为演员肢体表演提供新的机会。当中、近景构图时，人物的脸部表情被凸显。特别是在表现人物凝视手中物体时，脸部与手部在画面中呈现纵向相关性，人与物间的关联性被强化。当特写构图时，垂直屏幕会形成对头部的深度聚焦，无疑地可以透过人物的眼睛展现其内心世界。其次，垂直萤幕尤其适用于表现纵向空间，无论是高耸的山峰与树木、错落的建筑与楼梯，或幽深的隧道与洞穴、狭窄的走廊与车厢等，这些在水平构图时显得平淡无奇的场景，在竖屏呈现时引人入胜。此外，垂直萤幕的聚焦功能可在惊悚类作品中传达出场景的危险感，因为观众看不到周围环境，无法规划逃生路线；可在灾难类作品中展现场景的支配感，因为观众能看到角色之外纵向的自然环境；可在纪实类作品中营造出场景的真实感，因为此时创作者能以第一人称在现场聚焦故事。

　　从角度来看，横屏呈现时，创作者往往以仰拍寓意高大，以俯拍指涉渺小，而在竖屏中，这种关联性因画幅的收窄而被增强。即便在平拍时，创作者也可利用垂直画幅将强势角色放在萤幕上方，弱小一方置于下方，以强调强者对弱者的操纵。从运动上看，横屏在垂直方向上的运动具有像征意义，向上的运动表征欲望、快乐和力量。向下的运动则反之。竖屏天然支持垂直方向上的运动，但由于画幅的收窄，此时的运动甚至能与人类摆脱重力束缚的潜意识联系在一起。因此，这种运动必然与「强壮」「成功」等概念相关联。与之相对，向下的运动，如空中下落、水中下潜、洞中下行等横屏难以很好展示的画面，同样可被视为对重力发出的挑战，用以诠释一次勇敢的冒险之旅。竖屏在水平方向上的运动则受到限制。创作者需要改变角度，将水平运动转化为对角线运动，或跟随其运动而不断移动拍摄设备。此外，垂直屏幕纵深方向的运动与横屏差别不大，但若被拍摄的物体具有纵向线条感，如骑自行车的人或高大的汽车，那么画面的美感无疑展现得更为明显。

　　专注于全新移动美学的形成，

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实则是在强调垂直屏幕的速度感与亲密感。首先，竖屏体现速度感，其以放映时长的缩短、叙事节奏的加快迎合用户的碎片化、游戏化观看需求。一方面，竖屏作品往往强调以微小规模展现丰富意蕴，其创作者甚至会刻意压缩作品时长以抢占用户的时间资源。另一方面，竖屏之作会在有限的时间内以单元式结构形成快节奏、高密度叙事，如文旅类短视频热衷于呈现景区的至美时刻，体育类短视频聚焦运动的精彩瞬间，美食类短视频习惯快速记录美食的制作过程等。其次，垂直萤幕又能带来亲密感。从空间上看，垂直萤幕让使用者与萤幕间的距离小于人际互动的亲密距离，人机间的交流因空间缩排而显得极为亲密。从时间上看，竖屏之作呈现出创作者以最方便的方式记录和分享的即时反应与瞬间情绪，这万千「即时此刻」的个体感慨让观者产生亲密感。从题材来看，竖屏之作从日常生活中取材。当生活本身成为占满手机萤幕的景观，使用者很难不感到亲密。从内容上看，竖屏之作提供可供快速辨识的类型化“爽感”，其所提供的大量“燃点”“泪点”“笑点”甚至能引发用户的媒介成瘾行为。

　　总而言之，只要人们不改变单手持握手机的观赏习惯，手机播放模式更可能是垂直萤幕呈现，但这不能成为限制艺术想像的理由。面向未来，搁置争议且着力发展竖屏美学，并将其广泛运用于实践场域才是发展之道。这不仅体现了以技术标准关联起网路时代对注意力经济的高度重视，也折射出以艺术标准创造出全新语言体系来讲述故事的无限可能。

近日，某些舞剧演出在售票时不公布具体场次演员名单，让观众「开盲盒」。而大多数专门为了某位演员而来的观众会失望而归。事实上，舞剧演出不能只凭一两部爆款剧目、几个知名舞者去维持市场。院团持续提升演出质量，让观演关系良性互动，给予青年人才更多成长空间才能实现舞剧市场健康持久发展。

　　春光烂漫，北京舞剧演出市场再度火爆，《只此青绿》《红楼梦》等热门舞剧精彩上演。在演出票场场售罄的同时，舞剧「盲卡」再次引发关注。 「盲卡」是舞剧观众群中流行的专有词汇，即指在售票时不公布各场次对应演员的售票方式。观众直到演出开始后才能知道当场演员名单，观剧体验堪比「开盲盒」。

　　为什么「盲卡」在戏曲、戏剧市场中很少出现，却几乎成为舞剧市场的「行规」？

　　以前，在舞台艺术的各门类中，舞蹈特别是中国古典舞长期处于相对边缘的位置。在文艺晚会中，舞蹈通常以群舞或歌唱节目「活动背景板」的形式出现，缺乏对作品的独立展示。虽然也有像《丝路花雨》《文成公主》《铜雀伎》这样的经典舞剧，但无论演出场次还是观众人数都远低于同期的话剧、戏曲等门类作品。因此，舞蹈表演通常不会为观众公布演员名单。

　　但近十年左右，随着舞剧《孔子》《朱鹮》等一批广受好评的作品出现，并有计划地在全国乃至世界开展巡演，舞剧市场逐渐热起来。 2019年，综艺节目《舞蹈风暴》的播出，大大提升了舞蹈演员的曝光度和知名度，使一群原本

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只在圈内小有名气的优秀舞者开始进入大众视野，备受追捧。随着舞剧观众对舞蹈的认知和美学水准的不断提升，他们变得更加「挑剔」了，不仅要挑剧目，同时还要挑演员。然而，各院团却没有随着市场需求的改变而改变售票模式，反而部分曾经提前公布演员名单的院团，悄悄改为了「开盲盒」式的售票方式。

　　为什么会出现这种情况？背后还是经济利益的驱动。近年来舞剧市场升温，知名舞者的市场号召力日益增强，如果公布所有场次演员名单之后再售票，往往会导致知名舞者的场次销售火爆，其他舞者的场次却门庭冷落。 「开盲盒」式售票，则利用了观众期待看到知名舞者的心理，将流量无差别地溢出到所有场次，有效避免了演出票房「一边倒」的情形，「期待落空」的损失则由观众自己承担。部分观众为了能抽中知名舞者的演出场次，甚至会买齐所有场次，这又进一步拉高了票房。因此，为确保票房收益最大化，不少院团都「默契」地选择了「开盲盒」式售票。

　　这项做法在短期内能使院团快速获得经济利益，但长期来看，这是在消耗观众的热情与信任，不仅损害了观众作为消费者的知情权，也不利于舞剧市场的良性发展。

　　应当体认到，观众对「盲卡」这种售票方式的不满，其实是对不同演员演出品质有较大差异的不满。观赏戏剧演出本质上是一种文化消费，演出服务就是产品，演出品质是观众决定是否买票的关键。因此，院团需从提升演员演出品质着手，缩短不同演员之间的差距，做到院团坦然公布演出阵容，观众的观演热情也不会降低。

　　首先，要打造实力均衡的主演团队，让公布演出阵容有底气。院团应当把更多精力投入到选角、排练上，保障饰演同一个角色的不同演员能有同样优异的表现和具备个人风格的阐释。如2024年10月，俄罗斯芭蕾航母马林斯基剧院芭蕾舞团来华演出，他们在上海站演出前就公布了包含六位首席在内的三组演员阵容，虽然其中一组拥有超级明星而另外两组没有，但三场演出的上座率都在90%以上。有不少观众为了感受不同演员的不同艺术诠释，刻意连看三场。实力过硬的演员阵容，不但不会因为公布演出阵容造成票房流失，反而因此赢得更好的票房成绩。

　　其次，要保有充足的备选人才，即便出现临时更换演员的状况也不慌张。事实上，在舞台演出中，演员因事或因病临时不能参演的情况时有发生，秉持着对观众负责原则，临时更换演员或退票的处理也是为观众所接受的。如2023年9月，上海京剧院发布一则演员更换公告，计划于国庆演出的《杨门女将》原主演因身体因素无法登台，特别邀请天津京剧院实验团团长王艳救场——消息一出，戏迷在微信群奔走相告。观众不但没有退票，反而形成一波购票热潮。这充分说明，如果临时替换的演员和原计划演员能有同样高或更高的艺术水准，那么作为院团也无需担心因此产生的退票风险。

　　最后，要提供适合的平台，让青年演员

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发光。有人认为所谓「开盲盒」是为了「给青年演员成长的机会」。但观众却不认账，他们表示，花了知名舞者的票价去看「需要成长」的青年演员，感觉自己像个「冤大头」。舞剧发展离不开对青年演员的培养，青年演员固然需要舞台的历练才能进步，但并不是只有以不事先告诉观众演出阵容这一形式才能提供舞台。戏曲中，就有不少「青年」系列、「传承」系列的演出，主演均以青年演员为主，票价也相对实惠，不仅为青年演员提供了展示、历练的舞台，还让更多观众领略戏曲的魅力，不失为两全其美的做法。

　　舞剧演出不能仅凭一两部爆款剧目、几个知名舞者去维持市场，更不能一味地追求票房数据而随意消费观众的期待、忽视观众需求。满足观众对售票时公开演出阵容的呼声，并不是要院团放弃经济收益，而是督促院团持续提升演出质量，让每一位演员都优秀，让每一场演出都精益求精。公平的观演关系、健康的人才培育模式，才能实现舞剧市场健康持久发展。

一段三分钟的短视频，能够让非遗技艺在极短的时间内触达亿万级数量的观众；一部AIGC微短剧，不需要真人演员就能讲好一段上古神话故事；一部科技含量极高的动画电影，就像《哪吒之魔童闹海》，更是能够让中华优秀传统文化在数字时代

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实现创新发展，让中国故事走出国门，“火”到全球。这就是传媒艺术的力量。它不再像传统艺术那样只能依赖口语、文字和印刷等方式传播，而是能够搭乘着技术的“东风”，跨越时间与空间的距离、模糊想像和现实的界限、突破语言和文化的区隔。

　　近年来，在各种新科技手段的助推下，传媒艺术越发趋向大众化、日常化、个人化和智慧化。一切媒介可供给予与网路科技可触及之处，都可以进行艺术的传播与交流。人们可以在沙发上看网路电影、在地铁上刷微短剧，随时随地进行艺术欣赏活动。不只是欣赏，有了DeepSeek、即梦AI等大模型的帮助之后，艺术创作的门槛也大幅降低，人人都可以在AI帮助下实现画家梦、导演梦。

　　毋庸置疑，传媒艺术时代的艺术作品在传播力、影响力等方面的表现已经远远超越了在传统艺术时代所能达到的高度，为艺术发展打开了前所未有的新场景和新可能。但同时，各类新兴传媒艺术形态的爆发式增长，也暴露出了技术滥用、价值失衡、管理失序的隐忧。例如，近期一些部落客使用AI技术对《红楼梦》《西游记》等经典作品进行“爆改”，创作出来的短视频完全颠覆了原作的内涵主旨，削弱了原作的艺术价值；一些微短剧平台为追求流量红利，用大量低俗猎奇的作品“刷屏”，忽视了作品的艺术属性，纯粹将其作为商业谋利的工具。另外，在音乐、绘画等艺术领域，也已经多次出现AI生成作品的著作

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权争议问题。

　　种种乱象的根源，客观来看，是技术的进化和更新速度远远超出了人们适应和反应的速度，导致应有的思考和管理出现滞后；但主观上来说，更是由于部分从业者一味地追求商业“变现”，对传媒艺术作为艺术的本体性价值有所忽视。科技与艺术的融合，是传媒艺术发展的重要特征，谁也无法反其道而行。但是，当科技实现的可能性已经无所不在、无所不包时，我们必须去思考如何在艺术作品中平衡不同内容生产主体之间的身份关系，衡量不同利益和价值取向的优先顺序。毕竟，一切的赋能和融合，最终都是为了将​​传媒艺术推向更高的艺术境界，用数量更多、质量更好的艺术作品满足人民群众日益增长的精神文化需求，而不是无上限地牺牲作品的艺术价值去换取商业利益。那些偏离主流价值、缺乏思想内涵的作品，技术手段再高、流量再大，也只能沦为一个「炫技」的空壳，无法获得美学的共鸣。

　　如何从对科技的盲目崇拜与对商业利益的狂热追求中冷静下来，实现艺术价值的理性回归，重塑健康有序的传媒艺术新秩序，是当下亟须思考的命题。我们需要正确认识和定位不同传媒艺术形态的特征与优势、劣势，取其所长，弃其所短，做好对低俗、猎奇等不良倾向内容的规范治理，在技术、艺术与文化的三维坐标中寻求平衡。

　　在监管方面，主管机关的政策规范一直在不断地建立和改善。以微短剧为例，国家广播电视总局于今年2月发布了《关于进一步统筹发展和安全促进网络微短剧产业健康繁荣发展的通知》，强调要深刻掌握微短剧的意识形态属性，着力提升文化和美学内涵。据悉，广电总局也正在规划出台《微短剧管理办法》，持续推动微短剧产业的精品化、规范化发展。我们期待这样的管理措施也能尽快在其他新兴传媒艺术领域得以完善，共同规范传媒艺术的发展秩序。

　　但监管能够解决的更多是「下限」的问题。传媒艺术的「上限」仍要靠市场、平台和创作者不断耕耘努力。一方面是要继续重视技术手段与传统文化的双向赋能，让更多天马行空的艺术想像落地成为美轮美奂的艺术作品

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，让传媒艺术成为讲好中国故事的重要载体；另一方面，是在保持艺术创新和市场活力的同时，努力提升作品的精神高度、文化内涵、艺术价值，追求审美的更高境界高峰，攀登中华文化的新高峰。

　　传媒艺术是由一般大众广泛参与、创作和传播的艺术形式。每一个人都是艺术交流的主体，也都应当为建构健康、繁荣、永续发展的传媒艺术生态而做出努力。当越来越多的人能够怀着责任感与使命感，巧用、善用各类新兴技术手段进行艺术的创作与传播，技术才能真正成为艺术创新的不竭动能。

　　总之，传媒艺术的新秩序，本质是技术理性与人文精神的和谐交响。唯有让传统艺术的深邃底蕴与新兴技术的澎湃动能相互激荡，让商业逻辑与艺术价值共筑良性生态，才能实现「百花齐放」的艺术愿景。

横店影视城的街巷还未褪去前朝故事的余温，《×

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×传》《××记》等新剧组的进驻就又为其增添了一份火热。有人在弹幕中调侃“这个布景上周刚在隔壁剧见过”，还有人在评论区戏称演员在不同作品中上演“换乘恋爱”的戏码。这些现象指向了同一个问题——古装偶像剧的同质化。

　　古装偶像剧同质化，主要是「流量为王」的创作概念作祟。作为重要的剧集类型之一，古装偶像剧通常演员长相俊美，剧情围绕着年轻人的爱情展开，并以青少年为主要收视对象。经过多年发展，这种类型已形成了「制作公式」：爆款导演+流量明星+高热度网路文学IP+顶流歌手演唱的主题曲。这些元素叠加，正在扼杀创作活力，将古装偶像剧推入「千剧一面」的境地。

　　古装偶像剧的剧本多改编自网文IP。网文IP自带流量优势，有的IP开拍前已累积百万级书粉，能有效降低宣发成本。但网文市场也存在以流量为导向的不良倾向，本身就是同质化问题的「重灾区」。许多网文平台以追逐市场热点为主要营运逻辑，倒逼作者放弃个人化表达，转而迎合演算法偏好。 「甜宠」「虐恋」「美强惨」的套路成为吸睛必备，「经商」「复仇」「逆袭」的重复可以投人所好。把剧本的择定空间只限于缩在「百本如一本」的网文市场中，不论怎样精挑细选，都难逃同质化「魔咒」。

　　演员的选择也助长了这个趋势。 「偶像感」是古装偶像剧的核心特质之一，需要其主演有较高知名度和颜值。流量明星凭借其庞大的粉丝基础和商业价值，成为制作方眼中的「香饽饽」。如某位当红小生在一部剧中饰演冷酷的王爷，而在另一部剧中又化身温润如玉的公子，角色设定虽有不同，但演员形象和表演风格却大同小异。更进一步来说，反覆出现的不仅是演员，还有其他主创。为了确保影集的市场热度，制作方不愿冒险起用新人，而是反覆邀请几位制作过爆款的导演执导，聘请歌坛几位顶流歌手演唱主题曲。这种短视的制作策略让古装偶像剧的创作成为流水线上的“文化快餐”，长此以往，其市场生命力将逐渐枯竭。

　　其实，当今观众对「

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偶像」「浪漫」的美学已不满足于单一俗套的表现手法，而是更加趋向多样化。女性群像剧《卿卿日常》摒弃了女配人设往往恶毒的惯性创作思维；《梦华录》放弃网文IP，转而改编关汉卿元曲《赵盼儿风月救风尘》；《御小仵作》《古相思曲》成本小，没有流量演员加持，却凭借精彩故事脱颖而出。所以，古装偶像剧要突破同质化创作困境，必须破除流量思维的禁锢，回归艺术创作的本质，注重剧本的原创性和深度，大胆起用新人，探索多样化的叙事模式，深入挖掘人性的复杂性与社会的多样性。唯有如此，古装偶像剧才能迎来百花齐放的春天。